El Umbral de Olvido

Miguel Poveda, Duquende y Chicuelo: Festival Les Suds à Arles

2011-07-25T23:29:00.001+01:00

Les traigo un concierto-documental de flamenco que tiene como protagonistas a tres grandes: Miguel Poveda, Duquende y Chicuelo. Los dos primeros son de las mejores voces masculinas que tiene actualmente el cante flamenco (a mi particularmente me encanta Duquende) y la guitarra de Chicuelo es sencillamente acojonante (con perdón). Para los que aún no le conocen, en este blog hay una entrada dedicada a él (http://elumbraldeolvido.blogspot.com/2009/11/juan-gomez-chicuelo.html). De hecho, en esa entrada colgué una pequeña muestra del concierto del que les hablo. Éste tuvo lugar en 2004 dentro del marco de conciertos del festival anual "Les Suds à Arles", que se celebra, como bien lo indica el nombre del mismo, en la localidad de Arlés, en el sur de Francia y que tiene por objeto congregar a los entusiastas de las llamadas músicas étnicas o del mundo todos los veranos. El concierto incluye entrevistas a los dos cantaores. Sólo tengo una pega como guitarrista y es, ¿por qué no entrevistaron también a Chicuelo?

Por lo demás, debo decir que es espectacular. Espero que disfruten viéndolo y que les acabe gustando tanto como a mi. Pues eso... A disfrutar. Abrazos.

El precio del arte

2011-07-25T19:35:00.000+01:00

Europa había tenido la gentileza de civilizar el África negra. Le
había roto el mapa y se había tragado sus pedazos; le había roba-
do el oro, el marfil y los diamantes; le había arrancado a sus hijos
más fuertes y los había vendido en los mercados de esclavos.
Para completar la educación de los negros, Europa les obse-
quió numerosas invasiones militares de castigo y escarmiento.
A fines del siglo diecinueve, los soldados británicos llevaron a
cabo, en el reino de Benín, una de esas operaciones pedagógi-
cas. Después de la carnicería, y antes del incendio, se llevaron
el botín. Era la mayor colección de arte africano jamás reunida:
una enorme cantidad de máscaras, esculturas y tallas arranca-
das de los santuarios que les daban vida y amparo.
Esas obras venían de mil años de historia. Su perturbadora
belleza despertó, en Londres, alguna curiosidad y ninguna
admiración. Los frutos del zoológico africano sólo intwresaban a
los coleccionistas excéntricos y a los museos dedicados a las
costumbres primitivas. Pero cuando la reina Victoria mandó el
botín a remate, el dinero alcanzó para pagar todos los gastos
de su expedición militar.
El arte de Benín financió, así, la devastación del reino donde
ese arte había nacido y sido.

Eduardo Galeano, de su libro Bocas del Tiempo (2004).

Instrucciones para triunfar en el oficio

2011-07-25T15:12:00.001+01:00

Hace mil años, dijo el sultán de Persia:
- Qué rica.
Él nunca había probado la berenjena, y la estaba comien-
do en rodajas aderezadas con jenjibre y hierbas del Nilo.
Entonces el poeta de la corte exaltó a la berenjena, que
da placer a la boca y en el lecho hace milagros, porque
para las proezas del amor es más poderosa que el polvo
de diente de tigre o el cuerno rallado de rinoceronte.
Un par de bocados después, el sultán dijo:
- Qué porquería.
Y entonces el poeta de la corte maldijo a la engañosa
berenjena, que castiga la digestión, llena la cabeza de
malos pensamientos y empuja a los hombres virtuosos al
abismo del delirio y la locura.
- Recién llevaste la berenjena al Paraíso, y ahora la estás
echando al Infierno -comentó un insidioso.
Y el poeta, que era un profeta de los medios masivos de
comunicación, puso las cosas en su lugar:
- Yo soy cortesano del sultán. No soy cortesano de la
berenjena.

Eduardo Galeano, de su libro Bocas del Tiempo (2004).

La Carta

2011-07-25T14:44:00.002+01:00

Enrique Buenaventura estaba bebiendo ron en una taber-
na de Cali, cuando un desconocido se acercó a la mesa.
El hombre se presentó, era de oficio albañil, perdone el
atrevimiento, disculpe la molestia:
- Necesito que me escriba una carta. Una carta de amor.
- ¿Yo?
- Me han dicho que usted puede.
Enrique no era especialista, pero hinchó el pecho. El alba-
ñil aclaró que él no era analfabeto:
- Yo puedo escribir, yo sé. Pero una carta así, no sé.
- ¿Y para quién es la carta?
- Para... ella.
- ¿Y usted qué quiere decirle?
- Si lo sé, no le pido.
Enrique se rascó la cabeza.
Esa noche se puso manos a la obra.
Al día siguiente, el albañil leyó la carta:
- Eso-dijo, y le brillaron los ojos-. Eso era. Pero yo no
sabía que era eso lo que yo quería decir.

Eduardo Galeano, de su libro Bocas del Tiempo (2004).

La Mar

2011-07-25T14:26:00.000+01:00

Rafael Alberti ya llevaba casi un siglo en el mundo,
pero estaba contemplando la bahía de Cádiz como si
fuera la primera vez.
Desde una terraza, echado al sol, perseguía el vuelo
sin apuro de las gaviotas y de los veleros, la brisa
azul, el ir y venir de la espuma en el agua y en el aire.
Y se volvió hacia Marcos Ana, que callaba a su lado,
y apretándole el brazo dijo, como si nunca lo hubiera
sabido, como si recién se enterara:
- Qué corta es la vida.

Eduardo Galeano, de su libro Bocas del Tiempo (2004).

Concierto de Paco de Lucía en Pula

2011-06-26T17:30:00.004+01:00

He encontrado en youtube este concierto completo del Maestro en la ciudad croata de Pula. Se desarrolla en el Pula Arena, un anfiteatro romano construido entre el 27 a.C. y el 68 D.C. que hoy en día se utiliza como lugar de celebración de diversos conciertos como éste. En el Pula Arena han actuado además artistas como Luciano Pavarotti, Andrea Bocelli, José Carreras, Jamiroquai, Anastacia, Eros Ramazzotti, Norah Jones, Zucchero, Sinéad O'Connor, Elton John, Sting, Michael Bolton, Il Divo o Manu Chao.

El concierto tuvo lugar en el año 2006 dentro de la gira "Cositas Buenas" en la cual Paco de Lucía presenta los temas de su último trabajo con el mismo nombre. La formación que le acompaña en esta ocasión está compuesta por:

Niño Josele: guitarra.
Alain Pérez: bajo.
Antonio Serrano: armónica, teclados, bouzouki.
Israel Suárez "Piraña": percusión.
La Tana y Montse Cortés: cante.

Espero que disfruten de las casi dos horas ininterrumpidas de magia y que les de fuerzas para empezar la semana. Un abrazo.

Rafael Riqueni (II): La Suite Sevilla

2011-06-19T14:50:00.004+01:00

Encontré tres movimientos de la Suite Sevilla en youtube. Como se dijo en la anterior entrada, esta obra supone un acercamiento del flamenco a la música clásica. Está dividida en cuadernos, como la Suite Iberia de Albéniz y recupera el estilo Nacionalista Español, poseedor de ese color flamenco tan característico de muchas de las composiciones de Albéniz, Falla o Turina. Estos tres movimientos que mencioné al comienzo son: Flamencos de la Feria (Bulerías), Feria (Sevillanas) y Puerto de Triana (Colombianas). En esta ocasión están interpretados por los guitarristas Miguel Rivera y René Mora, con el cante de David Vázquez en Feria. Adjunto también comentarios relativos a los tres movimientos escritos por el propio Rafael Riqueni, que pretenden explicar el contexto sobre el cual están compuestos. Que los disfruten.

Otra cosa más; recomiendo para el que le guste la guitarra que consiga el disco de la Suite Sevilla grabada por Rafael Riqueni y José Mª Gallardo. Para mi, es uno de los mejores discos de guitarra que existen. Es difícil de conseguir porque está descatalogado, pero internet es grande ¿no? Un abrazo a todos.

Flamencos de la Feria (Bulerías).

"Desde la lejanía y el anhelo se me hacía más hermosa a los ojos de la mente, Sevilla, es una ciudad colorista, de las que se enmarcarían dentro del movimiento llamado Nacionalismo Musical. La estructura de la obra es la misma que la Suite Iberia de Albéniz: cuatro cuadernos de tres piezas cada uno."

Rafael Riqueni.

Feria (Sevillanas).

"El primer cuaderno, El Real, está dedicado a la Feria. Ya que esta Suite es una obra descriptiva, describe, valga la redundancia, todo el ambiente y la algarabía de la Feria; primero con unas sevillanas extraídas de un cante de Concha Piquer donde se imita a la orquestina."

Rafael Riqueni.

Puerto de Triana (Colombianas).

" La Suite Sevilla está pensada para plasmar en música una serie de sensaciones: recuerdos desde la infancia a la juventud, aromas, tradiciones y añoranzas. Precisamente desde la añoranza y la nostalgia fue compuesta, ya que fue en Madrid donde se creó. En Puerto de Triana, el caminante retorna a su barrio y se encuentra con el río de sus sueños y las calles que lo devuelven a su niñez..."

Rafael Riqueni.

Rafael Riqueni (I)

2011-06-18T21:01:00.004+01:00

Hace tiempo que quiero dedicarle una entrada a Rafael Riqueni (Sevilla, 1962). Riqueni es, sin duda, uno de los maestros más grandes que tiene la guitarra flamenca contemporánea. Tiene una sensibilidad exquisita, un enorme talento para componer y una gran técnica, que está al servicio de lo que pretende expresar en cada momento sin caer en alardes circenses. Todo esto se funde dando como resultado en su música un estilo propio muy personal y único que no imita al de ningún otro guitarrista flamenco. En palabras de José Manuel Gamboa: "Es un músico rompedor, mágico y de una calidad fuera de lo normal". En lo relativo a su forma de expresarse con la guitarra, existen principalmente dos características notables; gran expresividad y destacable importancia de la melodía en todas sus composiciones. Ello nos da la sensación al escucharle de que su guitarra nos "canta". Su guitarra está muy próxima al cante; él mismo sostiene que "es muy importante para el guitarrista conocer el cante, porque eso le da firmeza en el toque solo".

Fue uno de los más aventajados discípulos de Manolo Sanlúcar. Citando de nuevo a José Manuel Gamboa: "Rafael ha abierto para el flamenco un nuevo camino armónico y conceptual, distinto del que se viene siguiendo hasta ahora, para el flamenco". Ha bebido mucho de la música clásica española y eso se nota en su forma de componer. Muchas de sus composiciones flamencas están inspiradas en lo que se conoce por nacionalismo musical, y nos recuerdan los más bellos pasajes de Albéniz o Turina. En dicha línea está la Suite Sevilla, que grabó e interpreta junto al excelente guitarrista clásico José María Gallardo. También, después de lo dicho anteriormente, no es de extrañar que Riqueni sea un guitarrista muy solicitado para el acompañamiento al cante y ha colaborado con grandes cantaores como Enrique Morente, Carmen Linares, Chano Lobato, Juana la del Revuelo o Naranjito de Triana, entre otros. Fuera del entorno flamenco ha colaborado con Al Di Meola, Matías Fray, Anouar Brahem, Rainer Brünninghaus, Vargas Blues Band, Dino del Monte, Bill Whelan...

Para saber más:

1. Biografía del artista en DeFlamenco.com
2. Entrevísta a Rafael Riqueni y artículo sobre el guitarrista en ElPaís.com
3. "Podcast" del programa "Duendeando" de Radio 3 del 1/05/11, dedicado al Festival de Mont Marsan, al grupo "Smash" y a Rafael Riqueni.

Es uno de los guitarristas que más me inspiran. Muchos de sus discos son auténticas joyas, enormes obras de arte. Su guitarra desprende verdad, y la música que parte de ella a mi me lleva a otro tiempo; parece que venga como de antaño, como si se hubiera condensado en ella la tradición mas rancia, dándole un aire añejo dentro de un discurso musical a la vez contemporaneo y renovador. Transmite siempre un caudal de sentimientos y cuando la escuchas es muy raro que no te llegue al alma y te emocione. Es posible que me esté repitiendo un poco pero para mi no basta con decir que Rafael tiene un estilo único y quedarse ahí, pero a la vez, es muy difícil definirlo. Porque si bien, la influencia de Paco de Lucía está ahí presente de alguna manera en este discurso tan personal, en mi opinión, éste no se parece ni por asomo al suyo (algo muy difícil de lograr hoy en día, ya que Paco ha creado un canon estilístico del que es muy complicado salir). Es muy original y aunque sean estilos y personalidades muy diferentes, en ésto me recuerda mucho a Gerardo Núñez. Rafael Riqueni es un músico excepcional y como le ocurre a gran parte de los grandes, la vida no ha sido siempre muy justa con él. Una grave y profunda crisis espiritual y una enfermedad lo alejó durante cinco largos años de la música, y se temió incluso que su retirada fuese definitiva. Hace ya algún tiempo desde que el maestro al fin haya conseguido recuperarse e incluso corren rumores de que pronto grabará un nuevo disco. Los que amamos la guitarra lo celebramos enormemente. Desde aquí le envío un fuerte abrazo al enorme genio que con once años empezó a tocar la guitarra y con catorce ganó los principales premios nacionales de guitarra, los correspondientes a los concursos de Córdoba y Jerez.

Como siempre, dejo unos cuantos vídeos. Pienso que la mejor manera de juzgar todo ésto que escribo es a través de la propia música del artista al cual va dirigida la entrada. En ellos, Rafael toca por Soleá, por Garrotín, por Bulerías, por Alegrías y por Tarantas. En las Bulerías y las Alegrías se ve el gusto de Riqueni por la música clásica, con esos maravillosos arreglos para cuerdas que tienen. Los vídeos son auténticas joyas, espero que les gusten.

La próxima entrada tratará sobre la Suite Sevilla. Un abrazo.

Pequeño Recital de David Russell

2011-06-15T14:58:00.000+01:00

Éste es un recital cortito e íntimo que David Russell dio en uno de los "Tiny Desk Concerts" de la emisora pública de radio estadounidense NPR music. Suelen tener música variada, diferente y de gran calidad en estilos como pop, rock y folk, blues o jazz, música clásica, músicas del mundo y también, hip-hop y R&B, para los amantes de la música negra. Les animo a entrar y escuchar los "podcasts" de los diferentes programas. También podrán ver vídeos, entrevistas...

Bueno, sin más rodeos, les dejo con la guitarra del maestro Russell. Interpreta Una limosna por el amor de Dios, de Agustín Barrios, Les Sylvains, de François Couperin y por último, Granada, de Isaac Albéniz.

Cielo nocturno y estrella fugaz

2011-06-09T18:23:00.002+01:00

El cielo grande, lleno de magna contención,
un almacén de espacio, un exceso de mundo.
Y nosotros, demasiado lejos para tomar forma,
y demasiado cerca para la retirada.

¡Cae una estrella! Y nuestro deseo se adhiere,
alzando la mirada perpleja, rápidamente a ella:
¿Qué ha empezado? ¿Y qué se ha consumido?
¿Cuál es la deuda? ¿Y qué está perdonado?

Rainer María Rilke.

(Imagen de la entrada: Noche Estrellada de Vincent Van Gogh. Música: Taranta, de Cayetano Moreno Castro)

El fruto

2011-06-09T17:55:00.003+01:00

Aquello subió desde la tierra a él, subió y subió,
y habitó callado en el silencioso tronco
y se hizo llama en la flor luminosa,
y cayó luego de nuevo.

Y fructificó a lo largo de un verano
día y noche en el árbol esforzado,
y se supo empuje venidero
al encuentro del espacio solidario.

Y ahora que en el óvalo cada vez más redondo
se ufana en la plenitud de su sosiego,
cae, renunciando, hacia dentro en la cáscara,
de regreso a su centro.

Rainer María Rilke.

(Imagen de la entrada: White (de Onion Series) de Paul S. Brown. Música: Bachianas Brasileiras: Nº1 Prelùdio (Modinha), octeto de violonchelos con Mischa Maisky como solista)

Canción

2011-06-09T17:06:00.004+01:00

Tú, a quien yo no confío
mis largas horas sin sueño;
tú que tan tierna me calmas
como una cuna meciéndome.
Tú que tu insomnio me ocultas,
dime si soportaremos
la sed que nos magnifica,
sin abandono.

Recuerda que a los amantes
la mentira les sorprende
en sus confesiones. Sola
tú formas parte de mi
pura soledad. En todo
te transformas: un murmullo
o tu aéreo perfume.
Entre mis brazos: ¡qué abismo
que se alimenta de pérdidas!
Mis brazos no te retienen
Y es por eso justamente
que te tengo para siempre.

Rainer María Rilke.

(Imagen de la entrada: Somnium de Paul S. Brown, Música: Laytana de Le Trio Joubran)

Españistán, de la Burbuja Inmobiliaria a la Crisis (Aleix Saló)

2011-06-07T14:37:00.003+01:00

Mileurismo, telebasura, corrupción, paro... España tiene problemas, y el dibujante Aleix Saló se ha ocupado de plasmarlos con mucho humor en su nuevo cómic, Españistán. Este país se va a la mierda (Ed. Glénat), un repaso de los temas de actualidad que monopolizan el día a día del país.

"El objetivo último no era otro que hacer una denuncia, lo más completa posible, del rumbo que ha tomado este país en los últimos diez años. Hipotecas, SGAE, Telecinco, funcionarios, obispos, becarios, precariedad...", enumera Saló (Ripollet, Barcelona, 1983).

Ambientado en la muy familiar Españistán, el cómic narra las aventuras y desventuras de Fredo, un veinteañero al que la crisis económica ha dejado sin trabajo y, de paso, con un buen puñado de deudas.

"Fredo representa la síntesis del lugar y el momento en el que vive", explica el autor.

(De RTVE.es)

Bueno, como ven, esta entrada trata de dar a conocer a un joven dibujante crítico y con un fino sentido del humor que he descubierto hace poco. No he tenido la oportunidad de leer el cómic aún, que, en palabras de Saló "es a la vez una sátira y un homenaje a un colectivo conocido como los 'canis', que más o menos podemos identificar con ese sector joven de la clase trabajadora que abandonó tempranamente los estudios para lanzarse al mercado laboral durante el periodo de bonanza" y que pretende ser una adaptación libre de la saga El Señor de los Anillos en un país ficticio, Españistán. Seguro que es un trabajo genial, y podrán juzgarlo ustedes mismos en breve, porque el lanzamiento del libro se completa con un corto de animación, De la burbuja inmobiliaria a la crisis, que analiza las causas de la crisis en nuestro país, siempre en clave humorística, desgranando sus detalles con precisión y a la vez, con sencillez, dando como resultado un vídeo ameno que no nos dejará indiferentes. Yo he tenido que compartirlo aquí con ustedes porque no lo he podido resistir, me parece muy bueno. También les adjunto la dirección del canal de youtube de Saló (pues hay también algún otro vídeo interesante por ahí y seguro que con el tiempo habrá más). Y además, la dirección de su blog.

Ya no me extiendo más. Aquí viene el corto. Espero que lo disfruten y que les resulte tan interesante como a mi. Sean felices.

Viaje al Fondo Submarino

2011-06-06T16:12:00.008+01:00

Hoy me parece un buen día para perderse por ahí, para viajar lejos a donde queramos, pero sin movernos de casa. Esto, seguramente, ya lo vendrán notando tras leer mi entrada anterior. Si antes les propuse volar, ahora creo que estaría bien bucear para conocer los secretos de la vida en el océano.

Les presento unos vídeos espectaculares. Su autor es Rafa Herrero Massieu, que es el director de Aquawork, una empresa especializada en filmaciones submarinas en las Islas Canarias. Tiene una cuenta en vimeo con multitud de vídeos que no tienen desperdicio y en cada uno de ellos recoge los diferentes ambientes submarinos de los fondos de las islas y de zonas adyacentes a ellos. Por ejemplo, tiene un vídeo en el que filma la época de cría de las focas monje en agosto en cuevas de la costa atlántica del Sáhara que me encanta, aunque en realidad, todos los vídeos son fabulosos.

Voy a colgar dos ejemplos del gran trabajo de este señor. Uno de ellos se llama "Piélago" y el otro es el vídeo de las focas monjes del que les hablé antes, que se llama, como no, "Agosto". Preparen el traje de neopreno, las aletas y demás pormenores del equipo de buceo. Nos vamos.

(Imagen de la entrada del periodista y fotógrafo Chano Montelongo)

Vuelo en Alta Definición

2011-06-06T15:32:00.003+01:00

Les invito a desconectar cinco minutos para dejarse llevar por un viaje en avioneta. El vídeo que les traigo es de un trocito de la película "Sky Dance", dirigida por Eric Magnan y filmada en alta definición desde el asiento del copiloto de una Pilatus PC7 (que es el tipo de avioneta en el cual se realizó el vuelo).

Se trata de una película-documental construida en torno a una trama amorosa entre sus dos protagonistas, Alec y Laura, y que lleva al espectador a un viaje a través de Francia (Normandía, Bretaña, el río Loira, Dordoña, Borgoña, Provenza) que tiene su origen y su final en París. Descubrirán un viaje increíble por los cielos de Francia con tomas de una belleza sobrecogedora de las montañas, los acantilados blancos del Canal de la Mancha, los castillos del Loira, la meseta del Auvergne, Chenoncean, Mont Saint Michel y el azul del Mediterráneo.

La película fue rodada para su proyección en formato IMAX y su duración es de 40 minutos, pero como les dije antes, les pongo 5 minutos. El vuelo empieza con una espectacular pasada sobre un pico de los Alpes que están coronando dos montañeros. A continuación sobrevuelan los castillos del Loira, Normandía, el Mont Saint Michel, granjas, playas, acantilados, pueblos. Ésta es una parte que me encanta, porque la zona del Valle del Loira es uno de esos sitios que me encantaría visitar algún día (y de paso disfrutar de la sublime gastronomía y del exquisito vino de la región). Así como Normandía y la Bretaña Francesa. Simplemente precioso. Que lo disfruten.

Música Clásica en Clave de Salsa

2011-06-05T23:59:00.004+01:00

Está empezando a hacer calor. Se acerca el verano y el cuerpo nos pide musiquita como ésta que les traigo. ¿No creen que podría sonar la 5ª Sinfonía de Beethoven o la Serenata Nº13 para cuerdas en Sol mayor Eine Kleine Nachtmusik ("Pequeña serenata nocturna") de Mozart en uno de los chiringuitos de la playa?

Escuchen éstas dos versiones de estas dos piezas conocidas y ya me cuentan. Yo creo que tanto a Mozart como a Beethoven les habría gustado y estarían tan contentos escuchándolas mientras se toman un "mojito " (por ejemplo) en la playa. Los arreglos son de un pianista noruego llamado Sverre Indris Joner, quien también toca en los dos vídeos que les cuelgo a continuación.

Tengo que decir que el arreglo de la 5ª Sinfonía es sencillamente brutal. Lo pongo primero y a continuación viene el de la serenata de Mozart. Abrazos, amigos. ¡A disfrutar de la vida!

Despedida

2011-06-02T02:07:00.005+01:00

"[...]
Prefiero escribir las palabras solas
Solas las palabras que han de cantar tu nombre."

Enrique Morente en el tema Adiós Málaga.

☆☆☆☆☆

El mar...
ese prado calmo
que se precipita sobre el lienzo
añil y dorado de la tarde.
En ese momento todo estaba revestido
de aquel encanto efímero que tienen precisamente
las cosas simples que se producen en un instante;
y entonces era fácil imaginarte mía entre mis brazos
amasándote, como acariciando el aire
que contiene tu cuerpo trigueño, como de pan
y antes de que la noche te robe de esta imagen
besarte lentamente, paladeándote
mientras te amo, firme, pero suavemente
como quien cierne la arena que atesoran tus pasos.

Pero eres crátera
donde otro gusta del vino
y celebra en ella su placer y su contento.

Eres espuma sin retorno,
por eso quiero arrancar de mi para siempre este recuerdo
por eso debo arrojarlo aprisa en este brasero crepitante al que llamas olvido;
no como un doliente y atormentado sacrificio inevitable y necesario,
sino, al fin, como sendero cierto de aquel que decide desprenderse
de todo aquello que no le lleve vagamente a alguna parte.

Por eso prefiero olvidar las palabras solas;
solas las palabras que han de cantar tu nombre.

Juan Miguel Castellano González.

(Música: Oblivion de Astor Piazzolla. interpretado por Rastrelli Cello Quartet. Ilustración de Milo Manara)

Álvaro Pierri

2011-06-02T00:02:00.005+01:00

Álvaro Pierri (Montevideo, 1952). Guitarrista clásico uruguayo.

Su afición por la música vino dada por su madre, la pianista Ada Estades. Con 7 años empezó a estudiar guitarra con su tía, la guitarrista Olga Pierri. Sus estudios superiores de guitarra los realizó en el Conservatorio Nacional de Música de la Universidad de la República Oriental del Uruguay en Montevideo donde fue alumno de Abel Carlevaro y Guido Santórsola.

Ganó diferentes concursos como el Concurso Internacional de Guitarra de Buenos Aires (Argentina), Concurso Internacional de Porto Alegre (Brasil) y el 18º Concurso Internacional de Radio France donde obtuvo la Medalla de Oro. Ha realizado grabaciones para las firmas Discográficas Blue Angel y Analekta.

Ha realizado giras por Europa, Japón y América, tanto en recitales de guitarra solista como con orquestas, conjuntos de cámara y de percusión, actuando junto a músicos como Frank Peter Zimmermann, Ernö Sebastian, Hatto Beyerle, Florian Sonnleitner, Josef Protschka, Astor Piazzolla, Tracy Silverman, el Cuarteto de Cuerdas Turtle Island y el Cuarteto Cherubini.

Ha estrenado muchas obras contemporáneas de compositores como Leo Brouwer, Guido Santórsola, Jacques Hétu, Stephen Schwartz, Lanza, Abel Carlevaro, Thierry Rougier, González, Harold Gramatges, Borsody, etc.

También es profesor desde 1981 en la Universidad de Quebec en Montreal (Canadá) y en 2002 fue nombrado Profesor Titular de la Cátedra de Guitarra de la Academia de Viena, Universität für Musik und darstellende Kunst Wien.

Obtuvo el Premio Félix en los años 1992, 1993 y la nominación para el mismo premio en los 1995 y 1997, a los mejores álbumes clásicos.

En febrero de 2008 fue declarado Ciudadano Ilustre de la ciudad de Montevideo por el intendente Ricardo Ehrlich, luego de realizar un importante concierto en el Teatro Solís (De la Wikipedia).

La de Álvaro Pierri me parece una de las guitarras con mayor carácter propio, con más personalidad dentro del ámbito del estilo clásico. Es uno de mis guitarristas clásicos favoritos, entre los que se encuentran David Russell (para mi el mejor, aunque como quien dice "para gustos, colores"), Manuel Barrueco, Pavel Steidl, José Mª Gallardo del Rey o Antígoni Goni (esta guitarrista griega me enamoró desde que escuché un disco suyo en el que se grababa parte de la obra para guitarra de Agustín Barrios) entre muchos otros. Muchos de sus detractores dicen de Pierri que a pesar de que es un gran maestro, se permite a veces ciertas "licencias musicales" a la hora de interpretar que no se permite ningún otro. Yo lo entiendo de otro modo; Pierri es tan grande que se permite reinventar la música de otros a partir de su propia visión y aún así sorprende y a la vez encanta. Eso es algo que la guitarra clásica también necesita, en mi opinión. Salir de su elitismo, hermetismo y conservadurismo (eso sobre todo; el mundo de la música clásica es aún muy conservador). Porque es bueno preocuparse por la ortodoxia interpretativa, que hace posible que una obra del Renacimiento, por ejemplo, no suene igual, que una del Romanticismo; son estilos perfectamente diferenciados en lo que a forma y estilo se refiere. Pero también creo que no se debe poner el grito en el cielo cada vez que hay alguien original que quiere hacer las cosas de forma diferente y más desde una base de respeto y buen gusto (claro que ésto no lo puede hacer cualquiera). Y si no, miren al famoso pianista de jazz Jacques Loussier y su reinterpretación jazzística tan genial de la obra de Bach, sobre todo. Estoy seguro que si Bach hubiese vivido en nuestros días y hubiese escuchado su música desde esa perspectiva, le habría encantado. Con frecuencia se olvida, que pese a lo que se pueda pensar a priori, los músicos del Barroco fueron muy abiertos y originales, siendo los primeros grandes improvisadores de la Historia.

Bueno, para no irme por las ramas, voy acabando ya y les dejo con la guitarra del maestro Álvaro Pierri en un recital de principios de los 90, grabado por una cadena de televisión alemana. Los temas escogidos son: Berceuse (Canción de Cuna), de Leo Brouwer, Julia Florida (Barcarola) y Vals Nº3, de Agustín Barrios y por último, Pericón y Gato, dos composiciones del abuelo de Pierri, José Pierri Sapere, quien también era guitarrista. Que los disfruten.

Alma Ausente (de Llanto por Ignacio Sánchez Mejías)

2011-03-16T15:17:00.002Z

No te conoce el toro ni la higuera,
ni caballos ni hormigas de tu casa.
No te conoce tu recuerdo mudo
porque te has muerto para siempre.

No te conoce el lomo de la piedra,
ni el raso negro donde te destrozas.
No te conoce tu recuerdo mudo
porque te has muerto para siempre.

El otoño vendrá con caracolas,
uva de niebla y montes agrupados,
pero nadie querrá mirar tus ojos
porque te has muerto para siempre.

Porque te has muerto para siempre,
como todos los muertos de la Tierra,
como todos los muertos que se olvidan
en un montón de perros apagados.

No te conoce nadie. No. Pero yo te canto.
Yo canto para luego tu perfil y tu gracia.
La madurez insigne de tu conocimiento.
Tu apetencia de muerte y el gusto de su boca.

La tristeza que tuvo tu valiente alegría.
Tardará mucho tiempo en nacer, si es que nace,
un andaluz tan claro, tan rico de aventura.
Yo canto su elegancia con palabras que gimen
y recuerdo una brisa triste por los olivos.

Federico García Lorca.

Adivinanza

2011-03-15T12:42:00.002Z

(Nota: un maestro Zen le plantea un acertijo o Koan a su discípulo. Un Koan es una adivinanza sagrada que en la filosofía Zen tiene por objeto conducir a los aprendices hacia "El Despertar").

- Cuando el monje sale,

los sapos entran en el templo.

¿Cuándo entran los sapos en el templo?

- ¡Muy fácil, Maestro: los sapos entran en el templo cuando el monje sale!
- ¡Necio!
- Pero usted mismo me lo dijo: cuando el monje sale los sapos entran…
- ¡Torpe!
- ¡Entran cuando tienen calor y buscan la sombra!
- ¡Tramposo!
- ¡Entran cuando el monje olvida cerrar la puerta!
- ¡Iluso!
- ¡Entran cuando saben que allí dentro se pueden iluminar!
- ¡Intelectual, aprende a morir!
- ¡Los sapos nunca entran en el templo porque el monje no lo abandona jamás!
- ¡Eso!

Alejandro Jodorowsky.

Violão (Fátima Guedes)

2011-02-15T00:23:00.004Z

Este es un tema conmovedor que descubrí hoy por casualidad al mirar una versión instrumental interpretada por un guitarrista bastante bueno (y desde aquí le doy las gracias) que hay por youtube llamado Tony R. Clef, alias "troubleclef" (quien quiera, puede echar un vistazo a su canal donde encontrará arreglos instrumentales de temas de diversos estilos, http://www.youtube.com/user/troubleclef). La letra es del poeta brasileño Paulo César Pinheiro, y la música fue compuesta por su paisana Sueli Costa, una compositora que ha creado música para figuras tan importantes de la música de su país como Maria Bethânia, Elis Regina, Gal Costa o Ney Matogrosso.

A través del guitarrista que nombré anteriormente, descubrí también a la cantante Fátima Guedes y un gran disco suyo, Pra Bom Entendedor... (1994), en el cual aparece este tema interpretado por ella y el guitarrista Helio Delmiro. Tras buscar en el Spotify ese disco y escuchar el tema, no tenía palabras para describir lo bonito que me había parecido. La letra, es un poema de amor a la guitarra. Y ahora pensarán posiblemente "¡qué obsesión con la guitarra tiene este tío!"; bueno, ya he dicho repetidas veces que los guitarristas, como bien dijo Emilio Pujol en su libro Escuela Razonada de la Guitarra, somos un poco "guitarrómanos". Por otra parte, todos saben que este blog está dedicado también a la guitarra. Es normal, después de todo, que me haya encantado. Estaba buscando en youtube la versión del disco pero no la encontré. Cuelgo otra cantada en directo que fue la mejor que me pareció. Además en el vídeo se interpreta otro tema llamado Resposta ao Tempo, por eso dura tanto, pero esta entrada está dedicada al primero de los dos. Además, cuelgo la letra en portugués y la traducción al español (esperando que no tenga muchos errores). He de añadir por último una nota importante: en portugués, a la guitarra de cuerdas de nylon se la suele llamar "violão", porque la palabra "guitarra" se utiliza para nombrar a otro instumento de cuerdas de metal y para las otras variedades de guitarra como la acústica de cuerdas de metal y la eléctrica. Con todo esto, espero que disfruten como yo de esta preciosa canción. Y si pueden, escuchen la versión del disco.

Letra

Portugués:

Um dia eu vi numa estrada
Um arvoredo caído
Não era um tronco qualquer.
Era madeira de pinho
E um artesão esculpia
O corpo de uma mulher

Depois eu vi
Pela noite
O artesão nos caminhos
Colhendo raios de lua
Fazia cordas de prata
Que, se esticadas, vibravam
O corpo da mulher nua

E o artesão, finalmente,
Nesta mulher de madeira,
Botou o seu coração
E lhe apertou contra o peito
E deu-lhe nome bonito
E assim nasceu o violão.

Español:

Un día vi en una carretera
Un árbol caído
No era un tronco cualquiera.
Era madera de pino
Y un artesano esculpía
El cuerpo de una mujer.

Después vi
Por la noche
Al artesano en los caminos
Cogiendo rayos de luna
Hacía cuerdas de plata
Que, una vez estiradas, vibraban
El cuerpo de la mujer desnuda.

Y el artesano, finalmente,
En esta mujer de madera,
Depositó su corazón
Y le apretó contra el pecho
Y le dio un nombre bonito
Y así nació la guitarra.

Fantasía para un gentilhombre (Joaquín Rodrigo)

2011-02-13T22:35:00.002Z

Cómo me gusta la música de Joaquín Rodrigo... Es uno de mis compositores preferidos.

Fantasía para un gentilhombre es un concierto para guitarra y orquesta del compositor español Joaquín Rodrigo. Es su segundo concierto más popular, después del Concierto de Aranjuez.

Sus cuatro movimientos están basados en seis danzas cortas para guitarra solista del compositor español del siglo XVII Gaspar Sanz, tomadas de la obra conocida comúnmente como Instrucción de música sobre la guitarra española en tres volúmenes (1674, 1675, 1697). Rodrigo amplió los temas de Sanz para producir una obra de más de veinte minutos.

Está compuesto de cuatro movimientos:

Villano y Ricercare
Españoleta y Fanfare de la Caballería de Nápoles
Danza de las Hachas
Canario

Cuelgo el concierto completo en la interpretación del siempre genial David Russell con la Orquesta de Cámara Isla de Menorca (OCIM) dirigida por Michael Thomas. La actuación tuvo lugar en el Teatro Principal de Mahón (Menorca) el 19 de agosto de 2008.

Marin Marais (1656-1728) vs. Antoine Forqueray (1671-1745)

2011-02-13T21:42:00.008Z

Voy a hablar un poquito sobre música barroca, y más concretamente del Barroco Francés.

La música del periodo barroco es el estilo musical, relacionado con la época cultural europea homónima, que abarca desde el nacimiento de la ópera en el siglo XVII (aproximadamente en 1600) hasta la mitad del siglo XVIII (aproximadamente hasta la muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750). El Barroco tenía sus particularidades y similitudes en todos los paises, de entre los que cabe destacar Italia, Alemania, Inglaterra, Francia y España, pero en mi opinión, sobresalían dos grandes escuelas claramente diferenciadas; la alemana y la francesa. El Barroco Alemán con grandes figuras como Georg Philip Telemann (1681-1767) y Johann Sebastian Bach (1685-1750), que fue el máximo exponente de la escuela barroca alemana, agotando todas las posibilidades de la música barroca. Su obra es la cumbre y ocaso de la música barroca en general, y marca el fin del periodo en Alemania y en Europa. El Barroco Francés, tiene a François Couperin (1668-1733) como su figura más importante. Jean-Philippe Rameau (1683-1764) es también, junto con Couperin, la cumbre y el cénit del género en la primera mitad del siglo XVIII, siendo en sus últimos años testigo del cambio del Barroco al Clasicismo en su país.

En el Barroco se vive en una época de crisis, tanto económica como espiritual. Esta situación producirá en las artes una fuerte tendencia hacia la expresión: se trata de contar la realidad, aunque exagerándola y deformándola. Según mi criterio, el Barroco Francés es con frecuencia más sobrecargado, majestuoso y también más "oscuro" que el Alemán (si se me permite la licencia). El Barroco fue la época de gloria de instrumentos como el clave, el órgano, el laúd o la viola da gamba. Instrumentos que más tarde caerían progresivamente en declive, bien porque se habían agotado todas las posibilidades técnicas y habían llegado a alcanzar una gran complejidad, o porque presentaban limitaciones importantes respecto al volumen de sonido, ya que cada vez las salas de conciertos fueron haciéndose más amplias, porque se iban quedando "anticuados" (antiguamente, una etapa nueva suponía una ruptura drástica y sistemática con la anterior) o también, porque algunos de estos instrumentos eran relacionados con los exclusivos círculos nobiliarios y fueron rechazados por el pueblo llano en su música. Esta entrada la voy a dedicar a la viola da gamba y a sus dos grandes maestros de la escuela barroca francesa: Marin Marais (1656-1728) y Antoine Forqueray (1671-1745), de quien ya he colgado alguna pieza suya en este blog.

Marin Marais y Antoine Forqueray fueron los dos representantes más importantes de la gran escuela de la viola da gamba del Barroco Francés. Se dice que Marais fue llamado "el ángel", debido a su sonido increíblemente dulce y suave, mientras Forqueray fue llamado, en oposición, "el demonio", a causa de su forma extrema de componer, unida a su carácter rebelde, el cual le causó bastantes problemas. Con sus obras, Marais y Forqueray elevaron la viola da gamba a su máxima expresión. El instrumento tuvo como epílogo un lento pero inexorable declive que lo redujo, junto con el laúd, a un símbolo de la antigua nobleza prerrevolucionaria.

Dos videos. En uno, el ensemble formado por Josh Cheatam (viola da gamba) Julien Léonard (viola da gamba) y Skip Sempé (clave) interpreta la Sarabanda a Dos Violas, de Marin Marais. En el siguiente, Gustav Leonhardt (clave) y Sigiswald Kuijken (viola da gamba) interpretan el primer movimiento, La Rameau, de la Suite Nº5 para Viola y Continuo en Do Menor, de Antoine Forqueray.

Francisco Sánchez, Paco de Lucía (Documental)

2011-02-10T00:22:00.011Z

Todo el que me conoce sabe (y aquellos que me leen creo que al menos lo intuyen), que Paco de Lucía es para mi como un Dios de la guitarra, una luz que me sirve de guía y una fuente de inspiración. Y es que, si eres guitarrista (da igual que toques jazz, pop, rock, clásico, flamenco o heavy metal) y no te gusta Paco, algo raro pasa, porque es (resumiendo mucho, y esforzándome en controlar al enorme guitarrómano que hay en mi), un ejemplo de virtuosismo apabullante y su música es una excelente muestra de todos los mundos que una guitarra puede crear.

Cuelgo un documental que se editó en 2003 sobre la vida y obra de Paco de Lucía. Es el propio Paco quien va contando sus anécdotas, recuerdos, impresiones y vivencias en general, y además aparecen testimonios de amigos y compañeros de profesión, como Manolo Sanlúcar, Vicente Amigo, Tomatito o Rafael Riqueni. Lo más interesante es que en él se nos acerca al hombre que hay detrás del genio de la guitarra. Ésta es la verdadera esencia del documental, que queda reflejada en las siguientes palabras de Paco al principio del mismo:

"yo me alejo de todo lo que me haga recordar a Paco de Lucía. Yo reivindico para mi a Francisco Sánchez, al que le gusta la paz, la tranquilidad, la serenidad. Todo eso es incompatible con convivir con Paco de Lucía".

Para todos aquellos que amen el flamenco y la guitarra, pero también para los que quieran conocer acerca de su evolución en los últimos 40 años y saber por qué hoy por hoy esta música está en el lugar que está, o para quienes sientan curiosidad acerca de qué es lo que suele bullir en la mente de un músico y principalmente, en la de un genio como él, les invito a ver este vídeo.

La Isla de las Flores (Ilha das Flores)

2011-02-02T01:47:00.010Z

El otro día, un amigo me pasó un enlace a un vídeo que me hizo pensar en la naturaleza despreciable y cruel del ser humano. Llevo algún tiempo sin publicar ninguna entrada en el blog, y me apetece volver y empezar el año con una entrada que sirva para decir algo más relevante y tangible que lo que representa para mi un tema, un estilo de música o el hecho de compartir algunos poemas o algunas divagaciones de carácter más personal, más abstracto y que puedan representar nada verdaderamente importante para nadie más que para mi mismo. No quiero decir con esto que el blog vaya a ser muy diferente a partir de ahora, sino que creo que la primera entrada de 2011 bien puede merecer un tema distinto y por ser la primera del año debería tratar sobre algo que nos afecte a todos. Desde aquí quiero (como siempre) humildemente invitarles a la reflexión. No pretendo ser la conciencia de nadie, porque yo me equivoco como todo el mundo (con bastante frecuencia, además) y hago cosas buenas y malas. Sólo quiero compartir ese video con ustedes y espero que, si no les gusta, al menos consiga hacerles pensar.

El vídeo es un pequeño corto-documental brasileño de 1989 titulado "La Isla de las Flores" (en portugués: Ilha das Flores) escrito y dirigido por el cineasta Jorge Furtado. Dicho documental narra el camino de un tomate del huerto al vertedero con ayuda de una monótona "voz en off" y una coleción de imágenes grotescas. Siendo a la vez muy humorístico, transmite un mensaje sobre cómo los seres humanos se tratan entre sí como a como si de cosas cualesquiera se tratara. El propio director declaró que fue inspirado por lor trabajos de Kurt Vonnegut (escritor) y Alain Resnais (cineasta), entre otros, y denuncia la situación que estaba ocurriendo en Ilha das Flores, un vertedero de Porto Alegre, Brasil (de ahí el nombre del filme).

Después de ver el vídeo podemos ver que las personas somos capaces de tratarnos entre nosotros peor que a cerdos. Y esto no es nuevo, lo sé, pero a mi me afecta. Es curioso, mucho de lo que al principio se consideró "basura" aún se podía aprovechar para alimentar a los cerdos, mientras que vemos que a la gente que se amontonaba en el cercado se le daba lo que no servía para éstos. Y la cuestión es, si no sirve para los cerdos (cuando el cerdo puede comer cualquier cosa, por desagradable que nos parezca) ¿quién puede comerse eso? ¿Cómo puede haber alguien tan hijo de puta (con perdón por la expresión) que es capaz de favorecer a unos cerdos antes que a personas que están en la más absoluta miseria y que de otra manera no hubieran tenido que buscarse el sustento de entre la basura? ¿Cómo puede ofrecerse a alguien un montón de comida podrida aprovechándote de lo desesperado de su situación y de que sabes que por eso la va a aceptar sin queja alguna? Y después de hacerlo, ¿cómo ese señor (por llamarlo de alguna forma) puede tener la conciencia tranquila?

Debo decir, además, que vivimos en una sociedad insensible donde se está llevando el materialismo y el consumismo a extremos a veces enfermizos. Compramos por comprar y tiramos cosas a la basura sin ningún miramiento. Sé, por ejemplo, que en una conocidísima cadena de supermercados francesa que tiene supermercados repartidos por todo el territorio español, conocida por todos y de cuyo nombre no quiero acordarme, se procesa en trituradoras industriales de residuos comida en perfecto estado (que aún se podria aprovechar) porque ha rebasado la fecha de caducidad. Otros supermercados lo que hacen es tirar la comida caducada a la basura. y mucha gente acude a los cubos de basura a rescatar lo que se pueda.

Acciones horribles cuando hay tanta hambre y miseria a la vuelta de la esquina. No hace falta ir muy lejos para ver pobreza, enfermedad y necesidad; siempre habrá de todo eso más cerca de lo que se cree. Y cuánto podría hacer toda esa comida por acabar con parte de todo esto...

La comida no está "mala" porque haya pasado en un par de días la fecha de caducidad. Todos sabemos (o eso creo, y espero no pasarme de ingenuo) que la fecha de caducidad es orientativa. Sería algo asombroso, mágico, horrible y hasta gracioso, en según qué contexto, ver como un yogur, por ejemplo, que hoy a las siete de la mañana está bien, apetecible y en perfecto estado y que caduca mañana, a las 2 de la madrugada, de repente se convierte en una masa peluda de color verde y con una peste que tira para atrás. Nos han metido en el cuerpo el miedo por la "comida caducada" y nos han inculcado como un dogma la idea que describí anteriormente: "¡la comida pasada de fecha es mala! ¡Cuidado! ¡No se te ocurrra comerte eso, insensato!". Hay quien es capaz de mirarte como si estuvieras diciendo una blasfemia si le dices que te puedes comer un yogur aunque hayan pasado cinco días después de la fecha de caducidad. Hay alimentos que pueden durar un par de días más, semanas, e incluso meses, depende, ya que hay alimentos más perecederos que otros (no me arriesgo a asegurar que puedan durar años, por si acaso alguien guarda una lata de berberechos reserva de 2005, se la come y le da una gastroenteritis de caballo y se acuerda de mis muertos más frescos si supera la experiencia). Si yo les contara; la leche puede aguantar más de dos meses en buen estado despues de la fecha de caducidad. Que conste que esto que digo lo he experimentado yo mismo y no me pasó nada (ni desarrollé una horrenda mutación, ni me salió ningún sarpullido o brote infeccioso y ni tan siquiera se me descompuso un poco el estómago).

Por todo ello, quisiera pedirles que sean conscientes de lo que hacen y se lo piensen dos veces antes de tirar un alimento a la basura (o cualquier cosa utilizable dentro de unas circustancias determinadas; no estoy hablando de convertirnos en unos Diógenes) y piensen si de verdad le corresponde estar en ese lugar o si podría permanecer un poco más en la nevera.

Piensen también en lo hipócrita de nuestra postura cuando muchos vamos por ahí diciendo "el dinero no es lo más importante" y sin embargo estamos obsesionados con gastar y gastar pensando que únicamente tiene valor lo que nos sale bien caro. Por un lado estamos relegando el dinero a un segundo plano y por el otro le rendimos tributo, culto, homenaje... No sé. Piénsenlo ahora que hemos dejado hace apenas un mes la Navidad y ahora que se acerca San Valentín... Aunque ése es otro tema para ser discutido en otra ocasión. Tal vez hable lo retome en un par de semanas.

Si se han quedado con ganas de más, adjunto el enlace a otro documental de la cadena "Cuatro" que viene a colación con todo lo escrito: http://documentales.tv-on.es/sociedad-politica/callejeros-comida-basura/

En el muro del Malecón

2010-11-28T21:30:00.001Z

Para Raúl Rivero,
en su casa de La Habana...

Si me obligan, me robaré La Habana.
La romperé, verás, con un martillo.
Traeré de contrabando, en el bolsillo,
la noche, nuestro mar y tu ventana.
Si me obligan, me robaré el pasado.
Me llevaré mi calle y sus portales,
tu juventud, un verso, las postales
de esa islita que el odio me ha negado.
Si me obligan, me robaré La Habana
piedra por piedra, amor, pena por pena.
Mi vida rompo, guardo los pedazos.
Escapo antes que sea de mañana.
Me verás dando tumbos por la arena
como quien lleva a su mujer en brazos.

Eliseo Alberto Diego.

Samba e Amor (Chico Buarque)

2010-11-24T22:15:00.004Z

Uno de mis temas favoritos de bossa-nova, del gran Chico Buarque. Esta versión de Fernanda Abreu me encanta. Está llena de saudade, de sentimiento y de belleza. Además, este tema muchas veces nos identifica a los guitarristas, a mi parecer, porque habla del vínculo entre nosotros y la guitarra, en momentos en los que sólo nos tenemos el uno al otro. Momentos a veces difíciles en los que la guitarra nos canta, nos abraza y nos mece entre sus notas para ahuyentar la tristeza o el sentimiento de soledad. Y de las lágrimas compartidas, surgen joyas como ésta. Cuelgo también la letra en portugués y en castellano (mi traducción casera, espero que no tenga muchos errores). Disfrútenla.

Portugués:

Eu faço samba e amor até mais tarde
E tenho muito sono de manhã
Escuto a correria da cidade que arde
E apressa o dia de amanhã
De madrugada a gente 'inda se ama
E a fábrica começa a buzinar
O trânsito contorna, a nossa cama reclama
Do nosso eterno espreguiçar
No colo da bem vinda companheira
No corpo do bendito violão
Eu faço samba e amor a noite inteira
Não tenho a quem prestar satisfação
Eu faço samba e amor até mais tarde
E tenho muito mais o que fazer
Escuto a correria da cidade. Que alarde!
Será que é tão difícil amanhecer?
Não sei se preguiçoso ou se covarde
Debaixo do meu cobertor de lã
Eu faço samba e amor até mais tarde
E tenho muito sono de manhã.

Castellano:

Yo hago samba y amor hasta muy tarde
Y tengo mucho sueño por la mañana
Escucho el movimiento de la ciudad que arde
Y se apresura el día de mañana
De madrugada la gente todavía se ama
Y la fábrica comienza a bocinar
El tránsito retorna, nuestra cama reclama
Nuestro eterno desperezar
En el regazo de mi bienvenida compañera
En el cuerpo de mi bendita guitarra.

Yo hago samba y amor la noche entera
No tengo a quién prestar satisfacción.

Yo hago samba y amor hasta muy tarde
Y tengo mucho más que hacer
Escucho el movimiento de la ciudad. ¡Qué alarde!
¿Será que es tan difícil amanecer?
No sé si perezoso o si cobarde
Debajo de mi manta de lana.

Yo hago samba y amor hasta muy tarde
Y tengo mucho sueño por la mañana.

Marcus Tardelli- Mingus Samba

2010-09-05T17:42:00.002+01:00

Hoy, samba brasileña, de la mano de uno de los muchos grandes guitarristas brasileños actuales, Marcus Tardelli.

"Bajo la palmera (Sous le palmier)" (Habanera)

2010-09-03T18:59:00.009+01:00

Uno de los temas de Isaac Albéniz versionados para música y danza para la película Iberia, de Carlos Saura, grabada en homenaje al músico catalán en 2005. Música muy apropiada para una tarde como ésta en que me encuentro ahora que el fin del verano se acerca.

Nada más sonar las primeras notas, esta música me transporta a la orilla del mar, en pleno verano (aunque la escuche en diciembre, con un frío que parte el alma); cuando la escucho me veo sentado a la sombra de una palmera desde la cual observo el juego de los niños en la orilla, el vuelo rasante de las gaviotas pescando en la lejanía, los llamativos colores de los bikinis sobre no menos llamativos y sugerentes cuerpos, las olas estrellándose contra el rompeolas... Ahí sentado percibo la brisa del mar, su sal, los miles de sonidos de personas, olas y gaviotas, y me refugio del calor de las primeras horas de la tarde, arropado por la sombra de la palmera mientras bebo una tónica bien fría con mucho hielo y una rodaja de limón.

Fíjate cuánto es capaz de dibujar una melodía; a partir ella es posible construir un paraíso. Sencillo, pero impregnado de la magia que envuelve a las cosas sencillas siempre que son buenas. Listo para consumir sólo o acompañado y tan único que no tiene fecha de caducidad. Por eso es un paraíso perfecto, porque los buenos paraísos, los de calidad, son atemporales.

Caña de Azúcar, Canción de Amor y Alta Mar (Paco de Lucía, Juan Manuel Cañizares y José Mª Bandera)

2010-06-07T23:56:00.000+01:00

De un concierto que dieron Paco de Lucía, Juan Manuel Cañizares y José Mª Bandera en 1991. Los temas que interpretan aquí son: una rumba, Caña de Azúcar; Canción de Amor y la famosa rumba Alta Mar (o Entre dos Aguas)

A veces

2010-06-07T23:28:00.001+01:00

Escribir un poema se parece a un orgasmo:
mancha la tinta tanto como el semen,
empreña también más en ocasiones.
Tardes hay, sin embargo,
en las que manoseo las palabras,
muerdo sus senos y sus piernas ágiles,
les levanto las faldas con mis dedos,
las miro desde abajo,
les hago lo de siempre
y, pese a todo, ved:
¡no pasa nada!
Lo expresaba muy bien César Vallejo:
"Lo digo y no me corro".
Pero él disimulaba.

Ángel González.

Estudio (Gerardo Núñez)

2010-06-07T20:17:00.001+01:00

Este es un estudio para guitarra flamenca de Gerardo Núñez que me estoy estudiando (válgame la redundancia). Es genial.

El Interrogador

2010-06-06T18:30:00.004+01:00

No pregunto por las glorias ni las nieves,

quiero saber dónde se van juntando

las golondrinas muertas,

adónde van las cajas de fósforos usadas.

Por grande que sea el mundo

hay los recortes de uñas, las pelusas,

los sobres fatigados, las pestañas que caen.

¿Adonde van las nieblas, la borra del café,

los almanaques de otro tiempo?

Pregunto por la nada que nos mueve;

en esos cementerios conjeturo que crece

poco a poco el miedo,

y que allí empolla el Roc *.

Julio Cortázar.

* Roc: Los Rocs o Rukh (en idioma persa رخ , rokh) son aves de rapiña gigantescas pertenecientes a la Mitología Persa, capaces de levantar a un elefante con sus garras. El mito del Roc podría haberlo originado el quebrantahuesos, la rapaz de mayor envergadura de Eurasia, de donde tomaría la leyenda de arrojar los elefantes desde las alturas (presumiblemente basada en la costumbre del quebrantahuesos de elevarse con los huesos para después soltarlos desde gran altura).

(de http://es.wikipedia.org/wiki/Roc)

Baden Powell

2010-05-31T23:10:00.003+01:00

Baden Powell de Aquino (1937-2000) ampliamente conocido como Baden Powell, fue un guitarrista brasileño. Interpretó muchos estilos como la bossa nova, la samba, o el jazz, además de la música clásica para guitarra.

Demostró ser un joven virtuoso, después de haber ganado muchos concursos de talentos antes de su adolescencia. Con solo siete años empezó a tocar la guitarra clásica y con catorce ganó un diploma del Conservatorio de Río de Janeiro. Siendo ya un músico profesional a la edad de quince años, acompañando a cantantes y bandas de estilos diversos, con veinte ya tenía fama como compositor.

En colaboración con los poetas Vinicius de Moraes y Paulo Cesar Pinheiro, escribió algunas de las canciones brasileñas más famosas de esta época que hoy se consideran como clásicos. Esto queda plasmado en álbumes como Os Afro-sambas de Baden e Vinicius (1966) y Os Cantores Da Lapinha (As Músicas De Baden Powell E Paulo Cesar Pinheiro) (1970).
Durante su juventud estuvo fascinado por el swing y el jazz (y algunos músicos de jazz como Stan Getz y Charlie Byrd llegaron a versionar algunos de sus temas, como el famoso Samba Triste), aunque sus principales influencias estaban firmemente arraigadas en el marco de la música popular brasileña. Muchos de sus álbumes de esta etapa presentaban a un músico con ganas de experimentos e improvisaciones y que sabía enriquecer su síntesis de samba y jazz con modulaciones barrocas. Sus grabaciones de alta calidad musical eran el resultado de la fusión entre la cultura musical afro-brasileña y la europea.

Su álbum Tristeza on Guitar marcó un éxito internacional en 1966.

En 1970 el Baden Powell Quartet comenzó su primera gira por Europa y Japón, con un éxito enorme.

A mediados de los años 70 Baden Powell sufrió una seria crisis de salud con el resultado de un menor número de apariciones en público y menos grabaciones. Pasó la década de 1980 en semi-retiro entre Francia y Alemania. De vuelta en Brasil en 1988, grabó el álbum Rio das Valsas que convence por su densa atmósfera musical y por una mayor madurez en la interpretación.

A fines de la década de los 90 su salud estaba muy deteriorada después de muchos años de abusos, y cayó enfermo de neumonía. En mayo de 2000 publicó uno de sus últimos álbumes con el título Lembranças que constituye el legado de este gran maestro de la guitarra brasileña. Murió el 26 de septiembre de 2000, en Río de Janeiro.

(de la Wikipedia y de http://www.brazil-on-guitar.de/)

En estos videos del programa de la televisión brasileña Ensaio, grabado en 1990, Baden Powell interpreta tocando la guitarra y cantando, algunos de sus temas más conocidos. Muchos los popularizó junto a Vinicius de Moraes, a quien consideró un gran amigo y mentor. Estos son Consolação, Canto de Ossanha, Cantos de Capoeira, Berimbau, Samba em Prelúdio, Voltei, Tem Dó, Formosa y Samba Triste.

Fink

2010-05-31T17:10:00.002+01:00

Fink es el seudónimo de Finian Greenhall, quien ha llevado a cabo el improbable viaje musical de ser un artista de música techno trip-hop ambiental a ser un cantante y compositor importante en menos de una década. Nacido en Bristol, Inglaterra, Greenhall ha estado obsesionado con la guitarra desde adolescente, explorando con entusiasmo la escena indie. Luego descubrió el raving (movimiento surgido a finales de los 80, cuando el acid house apareció y rompió la escena electrónica en forma de raves, almacenes abandonados, láseres y clandestinidad, visitar http://es.wikipedia.org/wiki/Rave) y las guitarras se fueron por la ventana al sumergirse completamente en el ambiente techno. Grabó un álbum de ritmos techno con Lee Jones (alias Hefner) que fue finalmente editado bajo el nombre de EVA por Kickin? Records en 1995. El álbum atrajo la atención de Ninja Tune Records, sello con el cual firmó como artista de trip-hop. Promocionándose a sí mismo como Fink, Greenhall grabó un par de EP's; Finkfunk (1997) y Front Side Blunt Side (1998), bajo la imprenta de Ninja Tune Ntune, luego lanzaría su primer álbum Fresh Produce en 2000 (EP viene de "extended play", es un acrónimo anglosajón que traducido al español significa "duración extendida" y se utiliza como denominación para un formato de grabación musical. La duración de un EP es muy larga para considerarse como sencillo, y muy corta como para considerarse como álbum).

Pero Fink estaba experimentando un cambio radical y cogió la guitarra de nuevo. En el momento en que su álbum de influencias folklórico/acústicas Biscuits for Breakfast fue editado (de nuevo bajo el sello Ntune) en 2006, Fink había completado la transformación de artista de música electrónica en un cantante y compositor hecho y derecho, un movimiento que inicialmente dejó desconcertados a sus fans. En 2009 Fink emitió el ampliamente celebrado Sort of Revolution, un conjunto que fomentó sus ambiciones como cantante y compositor acústico, refinado y combinado a la perfección con sus habilidades de DJ, aunque de manera sutil y atmosféricamente.

Ha colaborado con artistas como el dúo Zero 7 o Nitin Sawhney y ha producido a artistas de renombre incluyendo a Martin Taylor (guitarrista), Amy Winehouse y Robert Belfour.

Apareció en el álbum Days to Come (2006) de Bonobo, en el tema If You Stayed Over, colaborando varias veces en directo con la banda.

Para conocer más;

http://www.finkworld.co.uk/fink/
http://www.myspace.com/finkmusic

3 Vídeos, en los que interpreta Biscuits for Breakfast (de Biscuits for Breakfast, 2006), This is the Thing (de Distance and Time, 2007) y Sort of Revolution (de Sort of Revolution,2009)

Arico

2010-05-10T16:20:00.000+01:00

Encomiéndense a los diablos
y cierren todas las puertas
que el tiempo sur se ha escapado
de un manicomio de hogueras
y desde el mar a la cumbre
está horneando la tierra.
Nadie le mete en cintura
sus lanzallamas y teas
y contra sus pedernales
no hay refugio ni trincheras.
Hierve la luz y el ambiente
como una nata se espesa
endureciendo los rictus
del rostro de las tormentas.
Avispas, saltan avispas
del sol que raja las piedras
y jadean los colores
con toda la lengua fuera.
Ningún sonar de tambor,
trueno, campana o trompeta,
podrán igualar a estas rachas
en resonancias tan épicas
para convocar simunes
y movilizar centellas.
Tambor de desesperanza,
redobles de la aspereza,
que marchitan las raíces
de los riscos y las venas.
Hacerse voz el mutismo
y romper a andar las tejas,
echarse a volar los pinos
y abanicarse las cuevas,
todo puede ser primero
que alborear la proeza
de devolverle la vida
al mencey de la leyenda.
La piel de Adjoña * se extiende
por todo Arico, reseca
como una momia, tendida
en la tosca amarillenta.
El tiempo sur no podrá
prender la chispa en la yesca,
ni hacer zumbar en sus sienes
las alas de las abejas,
ni meterle por los ojos
las púas de las candelas.
No podrá su soplo ardiente
llegar hasta su osamenta
y armar de vigor su brazo,
airón de sin par destreza,
que le imprimía a la honda
el júbilo de una flecha.
Todo el término de Arico
es la piel, a flor de tierra,
del mencey que derribó,
en golpe de honda certera,
con la piedra de su muerte,
el temblor de las estrellas.
Y este sudor de volcán
que corre a campo traviesa
es el recuerdo aún caliente
de un mencey a tumba abierta.

Pedro García Cabrera.

* Adjona (también conocido como "Atxoña"): Un mencey (rey aborigen) del menceyato de Abona. Se conocen dos menceyes de Abona, Atguaxoña y Adjona.

Antes de la conquista por los españoles en 1496, la isla canaria de Tenerife estaba poblada por los guanches, término que proviene de las voces aborígenes "guan-" ("hijo de"), y "Achinech" (o "Chiné"), que era la forma que los guanches tenían de referirse a su isla, así la llamaban.

El último gran mencey fue Tinerfe "el Grande", hijo del mencey Sunta, que tenía su corte en Adeje (cien años antes de la conquista) y gobernaba toda la isla. Su hijo Betenhuya tuvo nueve hijos que a la muerte de éste dividieron la isla en nueve reinos o menceyatos, y así se la encontraron los españoles. Estos eran: Abona, Adeje, Anaga, Daute, Güimar, Icode, Tegueste, Tacoronte y Taoro.

Hoy en día muchas localidades y municipios de la isla siguen conservando su nombre aborigen (un ejemplo es el municipio de Arico), como ocurre en otros muchos lugares de las Islas Canarias.

Peregrinando el Sur

2010-05-09T22:01:00.000+01:00

Tabaibas y lagartos bajo el viento
es cuanto tengo ahora ante mis ojos.
Y esta cueva también -esta visera
de frescura- contemplando el paisaje.
Uno se queda absorto, se sorprende
de que tres elementos tan sencillos
-el lagarto, la cueva, la tabaiba-
compongan una estirpe de dragones.
La tabaiba, sacando de la roca
su leche de mujer recién parida,
al golpe de aldabón de los lagartos
sobre la dura noche de las piedras
y la cueva mirando como un búho
tras el cristal de aumento de la sombra.
Y por encima, el viento, el dios cernícalo,
planeador del hambre y de la sed.

La Montaña (Granadilla), 23-VII-60

Pedro García Cabrera.

El viento y el alma

2010-05-09T21:55:00.000+01:00

Con tal vehemencia el viento
viene del mar, que sus sones
elementales contagian
el silencio de la noche.

Solo en tu cama le escuchas
insistente en los cristales
tocar, llorando y llamando
como perdido sin nadie.

Mas no es él quien en desvelo
te tiene, sino otra fuerza
de que tu cuerpo es hoy cárcel,
fue viento libre, y recuerda.

Luis Cernuda.

Peregrino

2010-05-09T20:57:00.000+01:00

¿Volver? Vuelva el que tenga,
tras largos años, tras un largo viaje,
cansancio del camino y la codicia
de su tierra, su casa, sus amigos,
del amor que al regreso fiel le espere.

Mas ¿tú? ¿volver? Regresar no piensas,
sino seguir libre adelante,
disponible por siempre, mozo o viejo,
sin hijo que te busque, como a Ulises,
sin Ítaca que aguarde y sin Penélope.

Sigue, sigue adelante y no regreses,
fiel hasta el fin del camino y tu vida,
no eches de menos un destino más fácil,
tus pies sobre la tierra antes no hollada,
tus ojos frente a lo antes nunca visto.

Luis Cernuda.

Nana de una isla

2010-05-09T20:49:00.000+01:00

Ella había nacido para el mar.
Las curvas de su espalda,
desde muy pequeñita,
tenían cumpleaños de olas.
Se despertaba
con rumores de playa en los costados,
con sus cabellos de alga en las arenas
y el pez de la sonrisa
nadándole los labios.
Crecíase hacia adentro,
hacia sus libertades submarinas,
que tomaban el sol abriéndole los ojos
en tirones de sueños y resacas.
Por la noche soñaba con sirenas.
Un día se fue al mar:
iba llorando soledades.
Una lágrima fue su salvavidas.
De ella tomó volcán, intimidad y contorno.
Y se quedó flotando entre las aguas.
Ahora es una isla que llaman Tenerife.

Pedro García Cabrera.

2010-05-09T20:37:00.000+01:00

Navegar, Navegar, Navegar.
Enhebrar en los ojos
todos los horizontes de la mar.

Navegar, Navegar.

Tener un muestrario
de todas las olas del mar.

Navegar.
Ser liquen hinchado de mar
en el mar.

Navegar.
Navegar.

Navegar.

Pedro García Cabrera.

2010-05-09T20:22:00.000+01:00

Un día habrá una isla
que no sea silencio amordazado.
Que me entierren en ella,
donde mi libertad dé sus rumores
a todos los que pisen sus orillas.
Solo no estoy. Están conmigo siempre
horizontes y manos de esperanza,
aquellos que no cesan
de mirarse la cara en sus heridas,
aquellos que no pierden
el corazón y el rumbo en las tormentas,
los que lloran de rabia
y se tragan el tiempo en carne viva.
Y cuando mis palabras se liberen
del combate en que muero y en que vivo,
la alegría del mar les pido a todos
cuantos partan el pan en esa isla
que no sea silencio amordazado.

Pedro García Cabrera.

A veces un cuerpo puede modificar un nombre

2010-05-04T13:23:00.000+01:00

A veces, las palabras se posan sobre las cosas como una
mariposa sobre una flor, y las recubren de colores nuevos.

Sin embargo, cuando pienso tu nombre, eres tú quien le da
a la palabra color, aroma, vida.

¿Qué sería tu nombre sin ti?

Igual que la palabra rosa sin la rosa:
un ruido incomprensible, torpe, hueco.

Ángel González.

Canción de invierno y de verano

2010-05-04T13:17:00.000+01:00

Cuando es invierno en el mar del Norte
es verano en Valparaíso.
Los barcos hacen sonar sus sirenas al entrar en el
puerto de Bremen con jirones de niebla y de hielo
en sus cabos,
mientras los balandros soleados arrastran por la superficie del Pacífico Sur
bellas bañistas.

Eso sucede en el mismo tiempo,
pero jamás en el mismo día.

Porque cuando es de día en el mar del Norte
—brumas y sombras absorbiendo restos
de sucia luz—
es de noche en Valparaíso
-rutilantes estrellas lanzando agudos dardos
a las olas dormidas.

Cómo dudar que nos quisimos,
que me seguía tu pensamiento
y mi voz te buscaba -detrás,
muy cerca, iba mi boca.
Nos quisimos, es cierto, y yo sé cuánto:
primaveras, veranos, soles, lunas.

Pero jamás en el mismo día.

Ángel González.

1 de Mayo

2010-05-03T17:18:00.000+01:00

Sería tal vez por las las risas
de los niños del parque.
Sería tal vez por el regalo efímero
y hermoso de las flores lilas en las jacarandas.
O posiblemente fuera por el vuelo agitado,
frenético,
de las andoriñas.
O por las parejas de enamorados
que se engullen el alma en cada beso.
Incluso pudiera ser acaso el rastro fresco
que va dejando el viento, cargado de maresía;
susurrante de misterios y preguntas,
sabedor de las respuestas que nunca alcanzo.
Sería tal vez por todo eso la razón
por la cual,
intuyo
que ha llegado al fin la primavera.

Juan Miguel Castellano González.

Arte Poética

2010-04-14T23:17:00.001+01:00

Eco remanente
grito en la noche
voz en la cristalera
calor y llama
testigo y compañera
sueño y paisaje.

A veces,
lamento,
dolor que sangra la memoria
que retorna
hacia el rincón bullicioso
donde habita algún nombre,
alguna mirada, rostro o cuerpo
que me ataca por la espalda
y me golpea las entrañas,
en la quietud de las sombras
de la madrugada.

A veces,
pregunta incierta
soplo de esperanza
y siempre imagen,
escudo, barco, canción,
alimento, pasión, deseo,
luz, inspiración y aliento.

Al fin,
sendero
cauce
en que no me pierdo,
etéreo universo de palabras.

Juan Miguel Castellano González.

"Passacaglia" (Händel-Halvorsen)

2010-04-14T22:51:00.001+01:00

Georg Friedrich Händel (1685–1759) fue un compositor de origen alemán, posteriormente nacionalizado inglés, considerado una de las cumbres del Barroco y uno de los más influyentes compositores de la música occidental y universal. En la historia de la música, es el primer compositor moderno en haber adaptado y enfocado su música para satisfacer los gustos y necesidades del público, en vez de los de la nobleza y de los mecenas, como era habitual.

Considerado el sucesor y continuador de Henry Purcell, marcó toda una era en la música inglesa, siendo el compositor más importante entre Purcell y Elgar en Inglaterra. Es el primer gran maestro de la música basada en la técnica de la homofonía y el más grande dentro del ámbito de los géneros de la ópera seria italiana y el oratorio.

Su inmenso legado musical, síntesis de los estilos alemán, italiano, francés e inglés de la primera mitad del siglo XVIII, incluye obras en prácticamente todos los géneros de su época, donde 43 óperas, 26 oratorios y un legado coral son lo más sobresaliente e importante de su producción musical.

Johan Halvorsen (1864–1935) fue un compositor, director de orquesta y violinista noruego.

Fue un reconocido violinista desde muy temprana edad y se volvió una figura promiente en la vida musical noruega. Recibió su educación musical en Kristiania (hoy Oslo) y Estocolmo, y fue concertino (primer violinista de una orquesta, encargado de la ejecución de los solos) en Bergen antes de unirse a la "Leipzig Gewandhaus Orchestra". Fue concertino en Aberdeen, Escocia, luego profesor de música en Helsinki, y finalmente volvió a ser estudiante una vez más en San Petersburgo, Leipzig (con Adolph Brodsky), Berlín (con Adolf Becker), y Liège (con César Thomson).

A su retorno a Noruega en 1893, trabajó como director de la orquesta del Teatro Nacional de Bergen y de la Orquesta Filarmónica de Bergen. Se convirtió en el concertino de la Orquesta Filarmónica de Bergen en 1885, y en director principal en 1893. En 1899 fue designado director de la orquesta del recientemente inaugurado Teatro Nacional de Kristiania, posición que mantuvo durante 30 años hasta su jubilación en 1929.

Así como música para teatro, Halvorsen dirigió más de 30 óperas y también escribió música incidental para más de 30 obras. Después de su jubilación del teatro finalmente tuvo tiempo para concentrarse en la composición de sus tres grandes sinfonías y dos Rapsodias Noruegas bien conocidas.

Sus composiciones son un desarrollo de la tradición romántica nacional ejemplificada por Edvard Grieg aunque escritas según un estilo distintivo caracterizado por una brillante orquestación. Halvorsen se casó con la sobrina de Grieg, y orquestó algunas de sus obras para piano, como una marcha fúnebre que fue interpretada en el funeral de Grieg.

Sus obras más conocidas hoy en día son la Bojarenes inntogsmarsj (Marcha de Entrada de los Boyardos) y Bergensiana, junto con su Passacaglia y Sarabanda, temas basados en dos movimientos de la Suite Nº7 de Händel para violin y viola, que reescribió a partir de los dos temas originales para violín y violonchelo en 1897.

Para conocer más:

http://es.wikipedia.org/wiki/H%C3%A4ndel#cite_note-Musicasacrap119-1
http://en.wikipedia.org/wiki/Johan_Halvorsen (este artículo está en inglés)

Vamos a conocer la versión de Halvorsen del Passacaglia de Händel, en la virtuosa interpretación de Wells Cunningham. Al violín, Wells Cunningham. Al cello, Wells Cunningham.

Sin palabras...

La Soledad

2010-04-14T19:46:00.000+01:00

Una noche, una gran tormenta visitó aquel sitio, y Almustafá y sus discípulos, los nueve, entraron en la casa y sentáronse ante la chimenea encendida. Y estaban tranquilos y silenciosos.

Luego, uno de sus discípulos dijo:

- Estoy solo, maestro, y los cascos de las horas golpean pesadamente en mi pecho.

Y Almustafá se puso en pie en medio de ellos y dijo, con una voz que era como el sonido del viento, fuerte:

- ¡Solo! ¿Y qué con ello? Solos habéis venido al mundo y solos pasaréis a formar parte de la niebla. Por tanto, bebed vuestra copa a solas y en silencio. Los días del otoño han dado a otros labios otras copas, y las han llenado de vino amargo y dulce, así como han llenado vuestra copa.
Bebed vuestra copa a solas, aunque os sepa, a vuestra propia sangre y a vuestras propias lágrimas, y alabad a la vida por el don de la sed. Porque sin la sed vuestro corazón no es sino la playa desolada, sin cantos y sin mareas.
Bebed vuestra copa a solas y bebedla con exclamaciones de alegría.
Alzadla muy por encima de vuestra cabeza y bebed de un solo trago, a la salud de quienes beben a solas.
Una vez busqué la compañía de los hombres y me senté con ellos a sus mesas de banquete y bebí mucho con ellos; pero, su vino no se me subió a la cabeza, ni fluyó hasta mi pecho. Sólo bajó hasta mis pies. Mi sabiduría se quedó seca y mi corazón permaneció encerrado y sellado. Solamente mis pies los acompañaron en medio de su niebla.
Y no volví a buscar la compañía de los hombres ni a beber vino con ellos sentado a sus mesas.
Por tanto, yo os digo que, aunque los cascos de las horas golpeen pesadamente en vuestro pecho, ¿qué con ello? Bien está que bebáis vuestra copa de tristeza a solas, y vuestra copa de. alegría también la beberéis a solas.

Khalil Gibrán, de El Jardín del Profeta.

El Relámpago

2010-04-14T19:22:00.000+01:00

Un día de tormenta estaba un obispo cristiano en su catedral, y se le acercó una mujer no cristiana y dijo:

- Yo no soy cristiana. ¿Existe salvación del fuego del infierno para mí?

El obispo miró y respondió:

- No, sólo se salvan los bautizados en el agua y en el espíritu.

Y mientras aún hablaba, un rayo cayó con estruendo sobre la catedral, y ésta fue invadida por el fuego.

Y los hombres de la ciudad llegaron corriendo y salvaron a la mujer, pero el obispo se consumió, alimento del fuego.

Khalil Gibrán, de El Vagabundo.

Egberto Gismonti

2010-04-08T23:14:00.000+01:00

Egberto Gismonti (1947) es un connotado compositor, pianista y guitarrista brasileño. Es considerado como uno de los compositores contemporáneos más importantes del mundo, y como uno de los más influyentes desde finales de la década del 60 del siglo XX.

Su música tiene influencias diversas: de la música clásica, como la del compositor brasileño Heitor Villa-Lobos, de la música popular y folklórica brasileña (como las batucadas, el choro, el bossa nova, el forró, el frevo el baião o el maracatú) del jazz (desde el bebop al jazz experimental), de la música indígena y del impresionismo (como las ideas de orquestación y armonización de Maurice Ravel).

Empezó a estudiar guitarra con la guitarra clásica de 6 cuerdas. Después, acostumbrado a generar armonías complejas de jazz en el piano, con un uso completo de los registros agudos y bajos, se pasó a la guitarra de 8 cuerdas en 1973 y luego a la de 10 cuerdas (que combina 6 cuerdas de guitarra con 4 de contrabajo).

Durante dos años experimentó con diferentes afinaciones y timbres (utilizando flautas indígenas, kalimbas, sho, voces, campanas, etc). Es extremadamente experto tanto en el piano como en la guitarra. Su obra, además de abundante (ha grabado más de 60 discos), es polivalente y multidireccionada en varios frentes, con influencias del jazz, el rock, la música de películas, la bossa nova, la samba y la clásica, principalmente del romanticismo y modernismo, además de presentar elementos de la música india, indígenas y nordestinos (del nordeste brasileño).

Ha grabado álbumes con algunos de los más grandes artistas internacionales tales como Jan Garbarek, Zeca Assumpção, Nando Carneiro, Charlie Haden, Jacques Morelenbaum, Hermeto Pascoal, Mauro Senise, Ralph Towner, Nené, Naná Vasconcelos, Colin Walcott e incluso con la Orquesta Sinfónica de Lituania.

Unos cuantos vídeos. En ellos interpreta los temas "Salvador", "Frevo" y "Dança dos Escravos", todos composiciones suyas.

Yamandú Costa

2010-04-08T16:53:00.000+01:00

Yamandú Costa (1980), es un guitarrista y compositor brasileño que toca el "violão de 7 cordas"; la guitarra de 7 cuerdas brasileña (es como una guitarra clásica normal cuerdas de nylon y la misma afinación, más un bordón después de la 6ª cuerda, afinado en "si").

Comenzó el estudio de la guitarra a los 7 años bajo la tutela de su padre, Algacir Costa, líder del grupo "Os Fronteiriços" ("Los Fronterizos") y se perfeccionó en el instrumento tras estudiar con Lucio Yanel, un virtuoso argentino establecido en Brasil. Cuando tenía 15 años se dedicó al estudio del folklore del sur de Brasil, Argentina y Uruguay. Esto es algo natural, dado que nació en la ciudad de Passo Fundo (Paso Hondo), en el estado de Rio Grande do Sul, región fronteriza situada a proximidad de Argentina, Paraguay y Uruguay. De esta primera etapa, Yamandú dice:

“La música es como una religión, la congregación, el estar juntos. Mi infancia estuvo llena de música y de amistad.”

Tras escuchar a Radamés Gnattali, empezó a estudiar la música de otros brasileños como Baden Powell de Aquino, Tom Jobim y Raphael Rabello.

A los 17 años tuvo su debut actuando en la ciudad de São Paulo. Yamandú vino a ser reconocido desde aquel entonces, como el músico que reviviría la música brasileña para guitarra.

Es un guitarrista versátil que toca diversos estilos como chorinho, bossa nova, milonga, tango, samba y chamamé, haciendo difícil categorizarle en un género único.

Cuelgo algunos vídeos de Yamandú en los que se aprecia la influencia que tienen todas estas músicas citadas anteriormente en su forma de hacer música. En ellos,su guitarra de 7 cuerdas se hace acompañar del bajo de Guto Wirtti.

Es muy interesante el arreglo que hace en uno de estos vídeos del "Schotish-Choro", perteneciente a la "Suite Popular Brasileña" del compositor Heitor Villa-Lobos (1887-1959). Devolviendo el carácter original, folklórico, a esta pieza clásica para guitarra de inspiración popular.

Raphael Rabello

2010-04-07T00:21:00.000+01:00

Raphael Rabello (1962-1995), fue un virtuoso guitarrista brasileño que fusionó en su música elementos del flamenco, el clásico, el jazz y la música popular brasileña.

Nacido en una familia grande y musical, comenzó a tocar la guitarra a los 12 años, y enseguida formó el conjunto "Os Carioquinhas", que tocaba choro (un tipo de música instrumental brasileña). Tomó clases con el legendario guitarrista Dino "7 Cordas", con quien grabaría un LP en 1991, y durante algún tiempo se dedicó a ese instrumento, adoptando el nombre Raphael "7 Cordas". Considerado un virtuoso de la guitarra (de 6 y 7 cuerdas), tocó con los más grandes del choro y de la samba, como Elizeth Cardoso y Radamés Gnattali, siendo muy cercano a este en sus últimos años de vida. Lanzó incluso, en 1986, el disco "Raphael Rabello interpreta Radamés Gnattali". En 1989, un accidente de coche resultó en una fractura múltiple del brazo derecho que puso su carrera en peligro. Pero cuatro meses después el guitarrista el show "Tudo Sentimento" al lado de Elizeth Cardoso. Uno de sus trabajos de mayor éxito fue el disco que grabó con Ney Matogrosso en 1990, "À Flor da Pele", en una asociación inédita. . Colaboró también con Pablo Moura, Deo Rian y Romero Lubambo. Sus interpretaciones para clásicos del choro como "1 x 0" (de "Pixinguinha") y "Desvairada" (de "Garoto") son consideradas antológicas. En 1992 lanzó un disco tributo a Tom Jobim, "Tudos os Tons", con participaciones de Paco de Lucía o Jacques Morelembaum y el propio Jobim. Colaboró en discos de diversos artistas, y fue uno de los guitarristas más solicitados de los años 80 y 90, famoso por unir una técnica impecable con sensibilidad interpretativa, en cualquier estilo, fuese clásico, choro, flamenco o bossa nova. Su muerte precoz, a los 32 años, unida a su genialidad y virtuosismo, le hizo ser considerado el "Mozart del choro".

Paco de Lucía llegó a decir de él:

"El mejor guitarrista que yo vi en años. Traspasó las limitaciones técnicas de la guitarra, y su música venía progresivamente de su alma, directamente para los corazones de quienes lo admiraban."

4 vídeos alucinantes. En ellos toca las guitarras de 6 y de 7 cuerdas. En el primero, Raphael empieza improvisando sobre el palo flamenco de la taranta y enlaza esta improvisación con una magistral interpretación de la obra más famosa de Agustín Barrios, "La Catedral". En el segundo, improvisa sobre un tema de Baden Powell junto al saxofonista Leo Gandelman. En el tercero, acompaña a la voz de la cantante brasileña Marisa Monte, en un estándar de jazz como lo es "Cry Me A River". En el cuarto y último, toca un tema de Caetano Veloso, "Sampa" y lo enlaza con otro de Tom Jobim, "Samba Do Avião". En todos y cada uno de los vídeos, se puede apreciar que la fusión del flamenco con lo brasileño es una constante.

Oriental (Enrique Granados)

2010-04-06T12:10:00.000+01:00

He dicho repetidas veces en este blog que me encanta la música de Albéniz, Granados, Falla, Turina... En esta ocasión, les dejo con la "Danza Española Nº2 (Oriental)" de Enrique Granados (1867-1916), en una preciosa versión para guitarra y violoncello de Ariana Burstein (cello) y Roberto Legnani (guitarra). De las 12 "Danzas Españolas", ésta es una de mis favoritas junto con la Nº5. Espero que les guste tanto como a mi.

Física Aplicada

2010-04-06T00:40:00.000+01:00

Mi amigo Ahikar me dijo
(muy convencido, por cierto)
que en algunos malos momentos se creía muy capaz
de comprimirse
de apretarse
de estrecharse
de reducirse
(de hacerse pequeñito, vamos)
como una lata de sardinas enlatadas,
apretadas en su corto espacio;
como un ratón
como una hormiga
como una pulga
como un minúsculo microbio
como una molécula
un átomo
un electrón
¡un quark!
(¿Se imaginan? ¡Qué disparate!)

Pero Ahikar, ¿acaso no lo sabes?
¿Acaso te quieres comparar con un gas?
Ya sé que te haría ilusión ser un gas noble
la realidad es que noble ya eres
pero un gas no puedes ser
no te empeñes;
tú siempre eres grande, en las malas y en las maduras
¿no sabes que los sólidos no se pueden comprimir?

¡No! ¡Qué va! ¡Tú no eres de gas!
Tú solamente te retraes un poco
pero eres más bien elástico
y te recuperas pronto, volviendo a tu forma original;
tienes una constante de recuperacion muy alta
serias un buen muelle, un gran resorte,
¡qué bien se hubiera sentido Hooke al conocerte!
(Asumiendo que hubiera podido.)

Juan Miguel Castellano González.

Lejanía

2010-04-05T00:44:00.000+01:00

No volverán las horas de la noche
en que nos conocimos;
el verano volverá, pero será distinto,
el aire tendrá otro olor, completamente
distinto al que envolvías con tu aroma,
el paisaje tendrá otras tonalidades opuestas
a las que complementaron el color de tu pelo,
tus ojos, tus labios...
Y el viento que tanto rizaba el rizo
de tu pelo lacio y castaño, ya no será el mismo
que hacía ondear levemente tu melena
ni se acercará a ser aquel en que se mecían
tantas palabras tuyas (y tantos silencios...)
Incluso, si las noches de verano tuvieran un sabor,
éste sería tan diferente al de aquella,
que sabía un poco a helado a ratos,
y un poco a los besos de tu boca
cálida, húmeda, apasionada
y a veces dulce como aquel helado.
Y aunque mis pasos me lleven de nuevo
al mismo lugar con mar, éste ya no sera igual
a aquel que contuvo aquel instante
de besos y helado.

No.
Definitivamente, nada volverá,
sólo irá quedando poco a poco el poso
de todo lo que fue contigo
(apenas unas horas)
en la difusa telaraña del recuerdo
y es probable que tú , con tu caminar
de gata, te vayas tras él,
Aunque deba (de algún modo) cada verano
revivir ese día en mi memoria
para el resto de los veranos de mi vida
y quizás brindar con helado a tu salud.
Poco importará que tú
ya no te correspondas
con aquella mujer que recordaba.

Juan Miguel Castellano González.

Le Trio Joubran

2010-04-05T00:02:00.001+01:00

"Le Trio Joubran" es un conjunto formado por tres hermanos, Samir, Wissam y Adnan, nacidos en Nazaret, región de Galilea, Palestina, descendientes de una familia de constructores e intérpretes del ûd (o laúd árabe, instrumento más representativo de la música árabe y del cual he hablado en alguna ocasión en este blog) a lo largo de más de 4 generaciones. El bisabuelo, el abuelo, el padre y ahora Samir, Wissam y Adnan han transformado su instrumento en una pasión, una habilidad, una forma de vida...

Su maestría con el ûd es singular como también lo son la armonía y la sincronización con la que interpretan su música a lo largo de todo el mundo, ante diferentes auditorios unidos por la autenticidad y la excelencia de estos tres músicos.

La percusión la realiza el maestro Youssef Hbeisch que enriquece sus composiciones con ritmos y notas encantadores.

(de http://www.letriojoubran.com/en/le_trio_joubran.html)

Estos maestros del ûd han bebido de muchas músicas, su amplia cultura musical se refleja en sus composiciones, en las que innovan partiendo de la tradición, y es posible encontrar por ejemplo, en alguna de ellas y en su forma de tocar, algunas influencias de música clásica occidental o del jazz e incluso de la guitarra española.

Su música de grandísima calidad y su virtuosismo convierte a "Le Trio Joubran" en un referente mundial de la música árabe contemporánea.

Para saber más, pueden visitar: http://www.letriojoubran.com/

2 vídeos. Es curioso ver, en el segundo, como sonaría "Asturias" de Isaac Albéniz, interpretada por un trío de laúdes árabes.

Una vuelta en Montaña Rusa

2010-04-04T23:13:00.000+01:00

Les propongo una vuelta en Montaña Rusa, gratuita y sin moverse de casa.

Atentos a este vídeo promocional de la Orquesta de Cámara de Zürich (ZKO ó Zürcher Kammerorchester).

Una sugerencia: levanten los brazos y no cierren los ojos.

¿Cuántas veces no se han sentido así al escuchar buena música?

Masterclass de Stanley Jordan

2010-04-04T22:37:00.001+01:00

El mes pasado tuve el privilegio de escuchar (en vivo y en directo) en boca de uno de los más grandes maestros de la guitarra jazz contemporánea, Stanley Jordan, lo que podrían ser algunas de las directrices más valiosas que me han dado en toda mi vida, dentro de un contexto musical. Al mismo tiempo, disfruté de un recital íntimo de Stanley en el que dejó patente tanto su exquisita sensibilidad, como su amplio conocimiento de las músicas, así como su maestría a la hora de improvisar o su asombrosa y original técnica propia que le permite tocar una guitarra desde una perspectiva pianística, es decir; se trata de que lo que hace una mano es completamente distinto a lo que hace la otra. Si una hace un motivo, la otra no no solo puede limitarse a acompañar a ese motivo sino que incluso puede dibujar al mismo tiempo otro diferente en consonancia con el anterior (respetando la armonía del tema), pero completamente distinto. Lo ejecuta gracias a un recurso técnico llamado "tapping" de la guitarra eléctrica, pero explicar los aspectos técnicos daría para rato y nos desviaría de lo que realmente fue importante para mi de esa charla, además que para hablar con propiedad sobre la técnica que utiliza deberíamos estar bastante tiempo con Stanley y no unas horas escasas. Resumiéndolo todo, tiene una perfecta independencia de ambas manos. Esto sólo se consigue siendo, además, un pianista. Y Stanley Jordan es, además, de los mejores pianistas que puedan haber. Fueron muchos los útiles consejos que repartió durante las cerca de dos horas que estuvo junto a todos los que habíamos ido y que no esperábamos que ese encuentro fuera a ser la mitad de trascendente de lo que fue. Fueron muchos, miles de consejos, y desafortunadamente no pude retenerlos todos, pero aquellos que atrapé, me acompañarán con suerte para el resto de mi vida.

Así, el maestro habló de lo importante que era estar relajado a la hora de estudiar o de interpretar con la guitarra (o con cualquier instrumento). Es muy importante tomarse el tiempo necesario para estar relajado y que no exista la menor tensión que nos quiebre ese estado de relajación durante el estudio a fin de estar perfectamente concentrado. Si en algún momento del estudio se pruduce un error, debemos rectificarlo cuanto antes. Habló sobre que en nuestro interior hay una dualidad; en nuestra mente conviven un niño, el cual sólo quiere tocar y tocar por tocar, y un adulto que además de querer tocar, quiere hacerlo bien y se esfuerza por mejorar. Si el niño comete un error, es necesario que el adulto le haga entender que ha cometido un error y que es necesario que no se repita. Cuando a veces repetimos sin querer un error, explicó, hay momentos en los cuales incluso aperece una voz interior a la que aparentemente no podemos controlar y que lo único que hace en esta situación es descalificarnos hablándonos de la siguiente manera, por ejemplo: "No sabes tocar la guitarra" o "Esto no sirve" o "¡Qué mal lo estás haciendo hoy!", etc, etc, etc.

Es necesario acallar esta voz. Si esta voz persiste, el primer paso es soltar la guitarra, porque nos sumirá en un estado de tensión que no nos podemos permitir, porque la tensión es un error y hemos dicho que todos los errores deben rectificarse lo más rápidamente posible. El siguiente paso consiste, si esta voz continúa perturbándonos, en hablar con ella, hacerle preguntas como "¿por qué me dices estas cosas?" y esforzarse en entender sus respuestas, porque se puede hablar con ella; dado que no sabemos de dónde sale esta voz, en teoría, es como si fuera otra persona y podemos interactuar con ella. Es posible que después de haberle hecho preguntas y de haber mantenido una conversación con ella nos diga "¡pero yo sólo quiero que seas grande!". Hay que intentar que esta voz permanezca siempre en silencio, porque no suele decir las cosas de la forma adecuada. Hay que apartarse de ella como quien se mantiene al margen de las malas compañías y de los problemas. Si un error se produce, hay que rectificarlo, pero no podemos hundirnos cada vez que cometemos un error. Si por el contrario sentimos que todo sale bien y estamos satisfechos con como salen las cosas, es necesario sonreir. La psicología dice que hay dos tipos de estímulos, los negativos y los positivos. Ambos pueden emplearse para conseguir un mismo fin, pero está demostrado que siempre son mejores los estímulos positivos.

Además, es necesario pensar en cómo nos gustaría que sonara la guitarra, buscar nuestro sonido en nuestra mente, porque es ahí donde está oculto. Y la búsqueda de nuestro sonido corresponde otro problema a resolver. Nosotros sabemos exactamente cuál es nuestro sonido. Sabemos cómo queremos que suene nuestra guitarra. Sólo con pensar en esto, una vez hemos encontrado este sonido personal y único, ya tenemos casi la mitad del problema resuelto y sólo queda la parte práctica, esto es, la ejecución de ese sonido. Es muy importante tener un sonido propio y que éste sea bueno. Y no debemos perderlo, porque representa nuestra personalidad. A veces olvidamos lo importante que es este concepto cuando nos metemos en un estudio serio de la música y empiezan a bombardearnos con muchos conceptos, mucha teoría. Por eso muchos guitarristas tienen miedo de estudiar esa teoría, pero lo cierto es que hay que saber mucha teoría y conocer muchas músicas, sin perder de vista el detalle del sonido propio. Porque todo esto puede contribuir a enriquecerlo y a ampliar nuestro discurso musical, que es la manera que tenemos de hablar con la guitarra. Y todo esto viene a colación con el siguiente punto que vamos a abordar. Este punto del que habló el maestro trató sobre el poder de la mente y de cuánto ignoramos el alcance de ese poder. Sólo con pensar en la guitarra, con estar haciendo escalas, improvisando o estudiando algún pasaje de una pieza mentalmente, estamos estudiando con la guitarra. Ese estudio mental puede tener unos resultados asombrosos y puede ser casi tan efectivo como un estudio físico con el instrumento. Podemos mejorar en técnica y musicalidad sin llegar a tocar la guitarra. Y este es un concepto que parece impensable, antagónico, paradójico, pues la idea natural que tenemos inculcada desde nuestra infancia es que las cosas sólo se aprenden si estás al pie, machacándolas. Y esto no deja de ser cierto, pero es que lo otro, ¡también lo es! Para que nos hagamos una idea del poder de la mente, Stanley nos contó una historia sobre un experimento que unos psicólogos hicieron con un equipo de baloncesto; se dividió el equipo en tres grupos y a cada uno se le asignó una tarea distinta: el primero no hacía nada, el segundo tenía que ponerse a entrenar un partido y el tercero debía concentrarse en imaginarse entrenando, trabajando mentalmente en lo posible las diferentes técnicas. Después pusieron a cada grupo a competir entre si. Los que no estaban haciendo nada jugaron mal, y los que estaban pensando en baloncesto jugaron casi tan bien como los que habían estado entrenando. Si extrapolamos esta historia al instrumento, nos damos cuenta de que es posible estudiar con él sin tocar una sola nota.

Este no es un concepto nuevo; Fernando, mi profesor de guitarra ya me ha hablado de él y sobre el hecho de que cuando estamos pensando en música, en mejorar un pasaje de una obra o en cómo ejecutar un recurso técnico que nos cuesta, todo eso se va cociendo a fuego lento en nuestro interior sin darnos cuenta y un buen día al coger la guitarra nos sorprendemos al notar que todo está saliendo mejor de lo que habíamos imaginado. Aún así, dicho por un genio como Stanley Jordan, este concepto gana en solidez, en autoridad y veracidad. Y esto no significa que menosprecie los consejos de Fernando, es más, refuerza mi fe en ellos. Se trata de ponerse a estudiar "con la batita blanca de científico", como diría él.

Otro punto a tratar fue sobre la administración del tiempo de estudio. Él comentó que podría pasarse horas hablando sobre la administración del tiempo ya que es un tema que le fascina y que considera importantísimo (y en verdad lo es). Para ilustrar este tema nos contó otra historia; cuando estaba en el instituto, uno de sus amigos, que tenía una hermana "cellista", le dijo "tío, tienes que oír a mi hermana. Se ha pasado todo el verano estudiando 5 horas diarias con el violoncello, ¡y no veas cómo toca ahora!". entonces pensó "vaya, ¡5 horas diarias! ¡Si yo consiguiera estudiar 5 horas diarias progresaría mucho!" Estuvo un tiempo dándole vueltas a esta idea y luego llegó a la conclusión de que le sería muy difícil rendir eficazmente durante 5 horas seguidas haciendo una misma cosa. Así que dispuso dedicar a cada hora el estudio de una materia diferente: la primera hora, a la técnica, la segunda, a la lectura a primera vista, la tercera , a la interpretación, la cuarta, a la teoría musical y la quinta, a la improvisación. Y entonces esas (aparentemente eternas) 5 horas pasaban volando. Y no le ha ido mal así. Lo cual demuestra que más que una cuestion de horas, adquirir soltura con un instrumento es cuestión de aprovechar bien el tiempo de estudio.

Stanley nos dio muchos más consejos. Algunos como que es necesario no mirar el diapasón de la guitarra cuando se improvisa, porque esto puede bloquearte, ya que puedes estar más atento al diapasón que al solo en si. "Para esto es bueno tocar a oscuras", dice. Nos contó que en el instituto tenía una habitación que no tenía ventanas y siempre estaba a oscuras. Él se iba a tocar la guitarra allí. Si bien al principio sus dedos a veces erraban en alguna nota, después se dio cuenta de que sus dedos recorrían naturalmente el diapasón porque ya tenía la posición de las notas en su cabeza. Tenía una imagen virtual del diapasón en su mente. Al poco tiempo notó que, aunque a veces mirase el diapasón, esto ya no era un requisito imprescindible para sentirse seguro soleando. También dijo que guardaba muy buenos recuerdos de aquella habitación, que incluso llevó allí a alguna chica en alguna ocasión.

Otro relativo a la improvisación es que una vez los dedos conozcan el diapasón bien, es bueno entonar mientras se va improvisando para no perder la dirección del solo. Incluso esto ayudaría a afianzar nuestro conocimiento del mismo.

Y esto es todo cuanto pude retener. El tiempo que pasamos con Stanley Jordan dio para mucho. Y yo necesitaría meses o incluso años para aprender la cuarta parte de lo que sabe. Pero estos pocos consejos se me quedarán grabados siempre. Gracias Stanley por esta chispa de luz y de ilusión para el camino.

Para conocer al maestro, visiten http://www.stanleyjordan.com/

Adjunto 2 vídeos. En uno interpreta su versión del estándar de jazz "Autum Leaves" y en el otro, una versión del conocido tema de Led Zeppelin "Stairway to Heaven".

Mis disculpas, Sr. Durán

2010-04-04T21:31:00.002+01:00

Hace un par de meses publiqué en este blog un escrito del escritor uruguayo Marciano Durán atribuyéndolo por error a su compatriota Eduardo Galeano (no aparece en el blog porque ya borré la entrada).

Lo cierto es que alguien me envió un correo electrónico en el que se decía que ese escrito era de Galeano y cometí el error de no contrastar dicha información.

Y el Dpto. de Prensa de "Crónicas marcianas y uruguayas" (la web de Marciano Durán) encontró esa entrada de mi blog y me dejó el siguiente mensaje:

'Desde hace unos meses circula por Internet la crónica Desechando lo desechable y lo hace con el título Me caí del mundo y no se como se entra, Porque todavía no me compré un DVD, Para los de más de 40, Ahora todo se tira, etc, etc, con la firma del reconocido escritor compatriota Eduardo Galeano.

Nuestro buscador ha determinado que también ustedes incurrieron en el mismo error al adjudicarle a Galeano un texto que no es de él.

La versión original (sin las modificaciones que sufrió en los últimos meses) corresponde al escritor uruguayo Marciano Durán y se encuentra en la página http://marcianoduran.com.uy a disposición vuestra (junto a un par de centenares de crónicas más) sin más requisito para utilizarlas que no modificar su contenido.

En http://www.marcianoduran.com.uy/?p=176 (Desechando lo desechable) se puede leer la versión original.

En http://www.marcianoduran.com.uy/?p=278 (Otra aclaración sobre Galeano) se ofrecen algunas explicaciones respecto a esta confusión.

En http://www.marcianoduran.com.uy/?p=335 (Galeano: “Mi trabajo más felicitado, más laureado, que circula por Internet no me pertenece”) incluye manifestaciones de Galeano explicando la situación.

En defensa de Galeano primero y del texto después agradecemos las correcciones que puedan efectuar.

Saluda atte

Dpto de Prensa de "Crónicas marcianas y uruguayas"

http://marcianoduran.com.uy'

Mis disculpas por el equívoco, Sr. Durán.

Y si quieren leer el artículo original, ya saben, visiten http://www.marcianoduran.com.uy/?p=176

Invictus (Invicto)

2010-02-08T21:41:00.000Z

(Esta entrada está dedicada a mi amigo Ahikar)

En la noche que me envuelve,
negra, como un pozo insondable,
doy gracias al dios que fuere,
por mi alma inconquistable.

En las garras de las circunstancias,
no he gemido, ni llorado,
ante las puñaladas del azar,
si bien he sangrado, jamás me he postrado.

Más allá de este lugar, de ira y llantos,
acecha la oscuridad con su horror,
no obstante, la amenaza de los años me halla,
y me hallará, sin temor.

Ya no importa cuán recto haya sido el camino,
ni cuantos castigos lleve a la espalda,
soy el amo de mi destino,
soy el capitán de mi alma.

William Ernest Henley (1849 - 1902)

Versión original.

Out of the night that covers me,
Black as the Pit from pole to pole,
I thank whatever gods may be
For my unconquerable soul.

In the fell clutch of circumstance
I have not winced nor cried aloud.
Under the bludgeonings of chance
My head is bloody, but unbowed.

Beyond this place of wrath and tears
Looms but the Horror of the shade,
And yet the menace of the years
Finds, and shall find, me unafraid.

It matters not how strait the gate,
How charged with punishments the scroll.
I am the master of my fate:
I am the captain of my soul.

Piezas En Re menor Para Laúd o Tiorba (De Visée)

2010-01-26T21:49:00.001Z

Robert de Visée (1650-1725) fue un músico francés. Fue laudista, tiorbista, guitarrista y violista en la corte de Luis XIV, así como cantante y compositor para laúd, guitarra y tiorba.

(de la wikipedia, para saber más, visiten
http://es.wikipedia.org/wiki/Robert_de_Vis%C3%A9e)

Tres de sus Piezas en Re menor, interpretadas al laúd atiorbado por Luca Pianca en los dos vídeos que cuelgo a continuación. Éstas son: Ouverture et Musette y Masquerade.

Una cosa importante: los vídeos que colgué pueden disfrutarse en alta calidad (HD) en Youtube, y merece la pena verlos de esa manera.

Dúo Pianca-Ghielmi

2010-01-26T00:08:00.001Z

El Dúo Pianca-Ghielmi está formado por los grandes maestros Luca Pianca y Vittorio Ghielmi.

El suizo Luca Pianca es uno de los músicos más solicitados dentro del campo de la interpretación de la música barroca. Colaboró durante más de diez años con Nikolaus Harnoncourt, ha estado al frente de Il Giardino Armonico, y ha colaborado con los cantantes más importantes de la actualidad, como Eva Mei, Cecilia Bartoli, Anthony Rolfe-Johnson, Sylvia McNair, Marijana Liposevk, .... Esto ha hecho de Luca Pianca no solo un destacado laudista y tiorbista, sino también un gran conocedor del arte vocal preclásico.

Tiene en su haber unas treinta grabaciones discográficas con numerosos premios, entre las cuales cabe destacar la integral para laud de J.S.Bach y de Antonio Vivaldi.

Ha participado en diversas producciones del Teatro de la Ópera de Zúrich, además de en el Festival de Salzburgo, y ha sido invitado por instituciones como la Berliner Philarmoniker. Ha actuado como solista en las más prestigiosas salas de concierto, entre las cuales cabe destacar el Carnegie Hall de Nueva York, el Musikverein de Viena, el Wigmore Hall de Londres, la Deutsche Philharmonie de Berlín y el Oshi Hall de Tokio.

Vittorio Ghielmi, nacido en Milán, se distinguió desde muy joven por la intensidad de su interpretación musical y por su manera novedosa de acercarse a la viola da gamba. Recibió en 1997 The Erwin Bodky Award (Cambridge, Massachussets), dedicado al mejor músico joven.

Formando dúo con Luca Pianca, ha ofrecido recitales en las más importantes salas de Europa, en Japón y en los Estados Unidos. Ha colaborado con artistas como Gustav Leonhardt, Cecilia Bartoli, Thomas Quasthoff, Andràs Schiff y, como solista invitado, con importantes orquestas (Wiener Philarmoniker, London Philarmonia, Il Giardino Armonico...). Ha grabado para los sellos Decca, Teldec, Virgin, Supraphon, Auvidis etc.. Entre sus grabaciones destacan los conciertos para viola da gamba y orquesta de J.G. Graun con el Ensemble Baroque de Limoges dirigido por Christophe Coin, y con la Wiener Akademie.

Ha trabajado también en el campo de la didactica y es profesor titular de viola da gamba del conservatorio Luca Marenzio de Brescia y del Conservatorio Superior de la Suiza Italiana (Lugano). Es profesor invitado de la Universidad de Salamanca, y ha impartido cursos y conferencias por toda Europa. Ha publicado estudios sobre la historia de la viola da gamba, y sobre la relación entre la praxis antigua y las técnicas de articulación que han sobrevivido en zonas marginales de Europa y en la música oriental.

(de http://www.dairea.es/grupos/luca_pianca_ghielmi/biografia.htm)

Para saber más, visiten http://www.pianca-ghielmi.com/

En el siguiente vídeo, interpretan el sexto movimiento de la Suite en Re menor Para Clavicémbalo o Viola da Gamba y Bajo Contínuo de Antoine Forqueray (1672-1745), que lleva por nombre La Couperin. Luca Pianca: laúd atiorbado. Vittorio Ghielmi: viola da gamba.

Platero y Yo

2010-01-25T23:37:00.000Z

Juan Ramón Jiménez Mantecón (1881–1958) fue un poeta español, ganador del Premio Nobel de Literatura en 1956, mientras permanecía en el exilio desde Puerto Rico.

Quizás sea Platero y Yo su obra más popular. Un libro en prosa dedicado a un pequeño burrito llamado "Platero", a quien Jiménez confía sus más profundos pensamientos, sentimientos y observaciones sobre la vida diaria en su ciudad natal de Moguer (Huelva, Andalucía).

La popularidad de Jiménez se refleja en el hecho de que dos compositores, Mario Castelnuovo-Tedesco y Eduardo Sainz de la Maza, compusieron una suite Platero y Yo para guitarra, cuyos movimientos recorren los pasajes del libro.

Dos movimientos de la suite Platero y Yo, compuesta por Eduardo Sainz de la Maza; Paseo y La Muerte. Los acompaño de los correspondientes textos del libro a los que se refieren. Guitarra: Anne Mari Hage.

Paseo

"Por los hondos caminos del estío, colgados de tiernas madreselvas, ¡cuán dulcemente vamos! Yo leo, o canto, o digo versos al cielo. Platero mordisquea la hierba escasa de los vallados en sombra, la flor empolvada de las malvas, las vinagreras amarillas. Está parado más tiempo que andando. Yo lo dejo...

El cielo azul, azul, azul, asaeteado de mis ojos en arrobamiento, se levanta, sobre los almendros cargados, a sus últimas glorias. Todo el campo, silencioso y ardiente, brilla. En el río, una velita blanca se eterniza, sin viento. Hacia los montes la compacta humareda de un incendio hincha sus redondas nubes negras.

Pero nuestro caminar es bien corto. Es como un día suave e indefenso, en medio de la vida múltiple. ¡Ni la apoteosis del cielo, ni el ultramar a que va el río, ni siquiera la tragedia de las llamas!

Cuando, entre un olor a naranjas, se oye el hierro alegre y fresco de la noria, Platero rebuzna y retoza alegremente. ¡Qué sencillo placer diario! Ya en la alberca, yo lleno mi vaso y bebo aquella nieve líquida. Platero sume en el agua umbría su boca, y bebotea, aquí y allá, en lo más limpio, avaramente..."

La muerte

"Encontré a Platero echado en su cama de paja, blandos los ojos y tristes. Fui a él, lo acaricié hablándole, y quise que se levantara...

El pobre se removió todo bruscamente, y dejó una mano arrodillada... No podía... Entonces le tendí su mano en el suelo, lo acaricié de nuevo con ternura, y mandé venir a su médico.

El viejo Darbón, así que lo hubo visto, sumió la enorme boca desdentada hasta la nuca y meció sobre el pecho la cabeza congestionada, igual que un péndulo.

—Nada bueno, ¿eh?

No sé qué contestó... Que el infeliz se iba... Nada... Que un dolor... Que no sé qué raíz mala... La tierra, entre la yerba... A mediodía, Platero estaba muerto. La barriguilla de algodón se le había hinchado como el mundo, y sus patas, rígidas y descoloridas, se elevaban al cielo. Parecía su pelo rizoso ese pelo de estopa apolillada de las muñecas viejas, que se cae, al pasarle la mano, en una polvorienta tristeza...

Por la cuadra en silencio, encendiéndose cada vez que pasaba por el rayo de sol de la ventanilla, revolaba una bella mariposa de tres colores..."

Suite en Sol menor (Froberger)

2010-01-25T23:11:00.001Z

Johann Jakob Froberger (Stuttgart, 18 de mayo de 1616 - Héricourt, Francia, 7 de mayo de 1667) fue un compositor, clavecinista y organista alemán del Barroco.

Su obra está cimentada en las composiciones para teclado, sobre todo suites y tocatas, que se ejecutan indistintamente al clave y al órgano, aunque se prefiere su interpretación con el primero de estos instrumentos. Froberger es el primer gran músico alemán que asimila tanto la escuela francesa como la italiana y desarrolla estos estilos llevándolos a un lenguaje muy personal, flexible y rico en matices.

(De la wikipedia, para conocer más, visiten
http://es.wikipedia.org/wiki/Johann_Jakob_Froberger)

Tres movimientos de la Suite en Sol menor: Allemande, Sarabande y Courante. Archilaúd: Andreas Martin.

Feliz 2010

2009-12-31T20:18:00.001Z

Para tí, lector, que visitas este sitio, quienquiera que seas...

Una versión simpática de un tema que a buen seguro te suena (el Canon de Pachelbel). Ésta tiene influencias de música latina, bluegrass, funk, o incluso heavy, y está interpretada por "Los Angeles Guitar Quartet" (LAGQ). Los componentes de LAGQ son:

William Kanengiser.
Scott Tenant.
John Dearman.
Matthew Greif (que reemplazó a Andrew York en 2006).

Para conocer a LAGQ: http://www.lagq.com/

También pueden visitar:
http://en.wikipedia.org/wiki/Los_Angeles_Guitar_Quartet

En este vídeo aún se puede ver tocando en el cuarteto a Andrew York (el último por la izquierda). Es una pieza genial. Dedicada para ti. Feliz 2010.

La Plazuela

2009-12-18T22:54:00.000Z

El barrio de La Plazuela es uno de los barrios más sentidos de Jerez, el barrio gitano, junto con el de Santiago. Es uno de los sitios donde se puede vivir el flamenco en toda su pureza.

Paco de Lucía interpreta en este video grabado sobre principios-mediados de los setenta, un tema por bulerías que lleva por nombre el de este popular barrio jerezano. Y esto no es casual; en Jerez nació el palo flamenco de la bulería. Los guitarristas de Jerez suelen tener un aire muy característico cuando tocan por bulerías.

Paco toca la guitarra en el ambiente distendido de una taberna, rodeado de amigos como los cantaores Camarón y Turronero, y el guitarrista jerezano Paco Cepero. Un vídeo lleno de duende y sabor. Disfrútenlo.

Agustín Barrios

2009-12-18T20:55:00.001Z

Anteriormente dije, en una entrada publicada en este blog el mes pasado (la que dedico a Albéniz y a Tárrega), que el primer gran maestro de la guitarra (de la guitarra clásica, se entiende) fue Francisco Tárrega. Y llegué a mencionar que el segundo era (por cuestiones de cronología, ya que Barrios llegó a alcanzar un nivel técnico mayor que el de Tárrega, lo cual se refleja en muchas de sus composiciones) precisamente, Agustín Barrios. También dije que en otra ocasión iba a hablar de él y me ha parecido oportuno dedicarle hoy esta entrada. Yo diría, en mi humilde opinión, que Barrios es a la guitarra, lo que Chopin al piano.

Agustín Pío Barrios Mangoré nació en el sur de Paraguay el 5 de mayo de 1885, y murió un 7 de agosto de 1944, en San Salvador, El Salvador. Algunos le consideran el mayor guitarrista-compositor de todos los tiempos. En vista de este hecho, es curioso que su música haya yacido olvidada e inapreciada por cerca de tres décadas después de su muerte. A mediados de los setenta aparecieron exhaustivas ediciones de su música, haciendo posible que los guitarristas de esa generación pudieran incluir en su estudio la música de Barrios, aumentando y complementando el repertorio más tradicional formado por obras de Sor, Giuliani, Carcassi, Tárrega y Villa-Lobos. El renacimiento empezó en 1977 cuando el guitarrista John Williams publicó una grabación entera de música de Barrios que perseguía el reconocimiento esperado desde hacía tiempo para este olvidado guitarrista latinoamericano. Hoy en día su música es interpretada por los más grandes concertistas y es apreciada por audiencias de todo el mundo.

Las dos primeras obras que escuché de Barrios fueron el Vals Nº3, Op. 8 y La Catedral. Desde ese momento, ya no he podido dejar de escucharla y se ha convertido en uno de mis compositores favoritos.

Dejo un enlace de la wikipedia para quienes deseen saber algo más:

http://es.wikipedia.org/wiki/Agustin_Barrios_Mangore

Y cuelgo algunos bonitos vídeos con su música interpretada por su paisana la guitarrista Berta Rojas, de quien dicen, que es una de las mejores guitarristas de su generación, y la más capacitada técnicamente para interpretar las obras del genial compositor. Las obras que en ellos aparecen son: Un Sueño En La Floresta, Una Limosna Por El Amor De Dios (también conocida como El Último Canto), el Allegro de La Catedral y el estudio Las Abejas.

Edin Karamazov

2009-12-13T21:32:00.001Z

La Música Antigua vive un momento de auge en nuestros días. Cada vez hay más gente interesada en el estudio de este campo de la música culta y son muchos los notables estudiosos de la materia y los brillantes intérpretes que cada día se van descubriendo. Esto se puede observar claramente si nos fijamos, por ejemplo, en la enorme cantidad de maestros que tiene el laúd antiguo actualmente. Entre los laudistas actuales mundialmente famosos cabe citar a Hopkinson Smith, Edin Karamazov, Luca Pianca, o Paul O'Dette, entre otros.

Edin Karamazov (1965) es un laudista bosnio-croata. Estudió con Hopkinson Smith en la Schola Cantorum Basiliensis y ha trabajado con grupos como Hesperion, L'Arpeggiata, Hilliard Ensemble, Mala Punica, Orpheus Chamber Orchestra y cantantes como Andreas Scholl, Maria-Cristina Kiehr, Arianna Savall, y Sting. Él y Sting grabaron juntos un trabajo discográfico dedicado al laudista inglés del siglo XVI John Dowland en el que versionan algunas de sus composiciones. Este trabajo se llama Songs From The Labyrinth (2006) y está editado por el sello discográfico alemán Deutsche Grammophon.

Recientemente acaba de salir al mercado su nuevo disco The Lute Is a Song (2009), editado por el sello Decca. En él se incluyen obras de Bach, Haendel, Purcell y Zamboni con transcripciones buenísimas (del propio Karamazov) de obras de dos compositores contemporáneos: Domeniconi y Brouwer, originalmente concebidas para guitarra clásica. También contiene una canción tradicional macedonia e incluso, una composición de Sting. En el disco, Karamazov toca también la guitarra eléctrica.

Acerca de las dos obras de guitarra clásica que aparecen en el disco, éstas son; la Suite Koyunbaba Op. 19, de Carlo Domeniconi y Paisaje Cubano con Rumba, de Leo Brouwer. La primera la toca con un archilaúd y la segunda la toca con una guitarra eléctrica. Sobre esta interpretación de Karamazov, Brouwer dice:

"Mi 'Paisaje Cubano con Rumba', por Karamazov, es posiblemente la versión más creativa, con colores y fantasía y más rigurosamente interpretada."

Me resulta interesante este fenómeno que se crea al transcribir obras de la guitarra al laúd, porque suele ser al revés; la guitarra clásica se ha nutrido de un numeroso repertorio formado por transcripciones y arreglos de obras para laúd o vihuela. Este hecho no deja de parecerme emocionante. Se produce con esto una sinergia, una suerte de simbiosis, de realimentación (o dicho de una forma que está muy de moda, feedback), laúd-guitarra-laúd. Esto es maravilloso, porque ampliando el repertorio para laúd, cabe la posibilidad de que éste ya no sea para muchos un instrumento "muerto", de épocas pasadas y "obsoleto" (son palabras muy feas para referirse a un instrumento musical, pero sólo intento que se capte la idea), sino que se readapte al panorama la música contemporánea, resucitando.

También me parece brillante el trabajo que hace interpretando Paisaje Cubano con Rumba: hay que tener en cuenta que la obra es para 4 guitarras, y no es precisamente fácil. Otra reseña, que pone de manifiesto lo interesante del disco:

"... Una novedad tan inusual y diferente como la propia forma de tocar de Edin Kamarazov. ¿Qué otro laudista podría abrir su disco con el 'Paisaje Cubano con Rumba' de Leo Brouwer, originalmente para cuatro guitarras, pero que aquí es interpretada con una sola guitarra eléctrica y lo sigue acompañando a Sting con un archilaúd que canta como éste su propio 'Alone with my thoughts this evening'?" Gramophone Magazine, Junio de 2009.

Si desean saber más

http://www.edinkaramazov.com/
http://www.prestoclassical.co.uk/r/Decca/4781077

Adjunto unos cuantos vídeos de este genial maestro con una forma muy personal, originalísima de tocar. El primer tema es de John Dowland, Forlorn Hope Fancy. El segundo es una muestra de una Tocata y Fuga de Johann Sebastian Bach. El tercero es el primer movimiento, Moderato, de la Suite Koyunbaba, de Carlo Domeniconi. El cuarto es otro tema de Dowland, cantado por Sting, que se llama Come Again. Una pena el no haber encontrado una muestra en youtube de Edin Karamazov tocando Paisaje Cubano con Rumba con una guitarra eléctrica...

Soneto a Laura

2009-12-13T20:42:00.000Z

Paz no encuentro ni puedo hacer la guerra,
y ardo y soy hielo; y temo y todo aplazo;
y vuelo sobre el cielo y yazgo en tierra;
y nada aprieto y todo el mundo abrazo.

Quien me tiene en prisión, ni abre ni cierra,
ni me retiene ni me suelta el lazo;
y no me mata Amor ni me deshierra,
ni me quiere ni quita mi embarazo.

Veo sin ojos y sin lengua grito;
y pido ayuda y parecer anhelo;
a otros amo y por mí me siento odiado.

Llorando grito y el dolor transito;
muerte y vida me dan igual desvelo;
por vos estoy, Señora, en este estado.

Francesco Petrarca (versión de Jorge A. Piris).

Sevillanas a Dos Guitarras

2009-12-13T19:52:00.003Z

¿Es la sevillana flamenco? ¿O no lo es? Estas preguntas, en apariencia triviales, llevan generando mucha controversia desde hace bastante tiempo. La sevillana suena en las numerosas ferias y romerías que se celebran por toda Andalucía. Su origen se remonta a una época previa al reinado de Los Reyes Católicos, en unas danzas populares conocidas como seguidillas castellanas. Con el transcurso de los siglos, se incorporaron al folclore andaluz y se aflamencaron. Algunos estudiosos la incluyen dentro de los palos del flamenco. En palabras de la periodista Candela Olivo:

"La línea divisoria entre flamenco y folclore es, en ocasiones, demasiado difusa. Las sevillanas se mueven en esa tenue frontera, manteniendo su esencia popular, pero sin renunciar a la riqueza expresiva del flamenco. [...] Este género se configura como el arquetipo de la canción folclórica aflamencada, cuya finalidad ha sido siempre acompañar al baile del mismo nombre."

En el siguiente vídeo, Paco de Lucía y Manolo Sanlúcar interpretan una versión personal de unas sevillanas a dúo. Pertenece a la película documental Sevillanas (1992), de Carlos Saura.

Para saber más sobre el tema

http://www.flamenco-world.com/magazine/about/sevillana/esevillan.htm

2009-12-08T22:27:00.000Z

"Tanto acostumbré mis ojos a la belleza que tengo la visión plena de ella."

Konstantinos Kavafis.

La Leyenda Del Tiempo

2009-12-08T19:54:00.000Z

Se cumplen, en este 2009 que ya termina, 30 años de la aparición del primer disco de flamenco-fusión que existió. La fusión ya había aparecido sutilmente en el flamenco en discos como Fuente y Caudal (1973), de ese gran innovador que ha sido y es Paco de Lucía, ya que en este disco, Paco incorpora al flamenco instrumentos y ritmos latinos con esos bongós que hacen la percusión en la rumbita semiimprovisada que lo catapultó a la fama, Entre Dos Aguas. O también, de forma más evidente, en el disco Almoraima (1976), en el que el maestro sienta el canon estilístico de la guitarra flamenca actual e incorpora otros instrumentos extraños al flamenco como el ûd, o laúd árabe, el bajo eléctrico o la percusión. Pero lo que vendría años más tarde acabaría conformando la semilla del flamenco-fusión. Aunque hay que decir que Camarón desde el principio innovó en el cante. Él decía:

"El flamenco está hecho, pero sobre lo hecho se puede seguir creando sin engañar, sin mistificar. ¿Por qué tenemos que hacer todos la soleá exactamente igual, como si fuéramos un disco? Si yo puedo añadirle algo propio, enriquecerla, sin desvirtuar lo que es el cante por soleá, ¿por qué no lo voy a hacer?"

En 1979 Camarón dedicó un disco a la memoria de Federico García Lorca bajo el nombre de La Leyenda Del Tiempo, musicalizando varios de sus poemas (incluso se pueden reconocer unos versos del poeta persa medieval Omar Khayyam en alguna canción). Este disco abre, en este momento, nuevos caminos mezclando flamenco con otras músicas como el rock, la salsa, o el pop. Aparecen en él, además, instrumentos que jamás habían aparecido ni por asomo en la música flamenca con otros que empezaban a incorporarse (al aparecer años antes en los discos arriba mencionados de Paco de Lucía), pero que aún resultaban extraños: guitarra y bajo eléctrico, flauta, teclados, coros, percusión, batería, sitar... Incorporándose a los propios, como la guitarra flamenca, las palmas y el cante. Y esta es toda una hazaña, todo un hito en la historia del flamenco. La guinda de esta nueva ola flamenca la pone el propio Camarón, quien hasta aquel entonces se llamó Camarón de la Isla, y a partir de aquí empezó a llamarse Camarón a secas.

Pero el nuevo disco no fue bien acogido entre los sectores más ortodoxos del flamenco. Los puristas y flamencólogos lo crucificaron. Muy pocos entendieron esta nueva música. Se llegó a decir que aquel que cantaba no era Camarón. En su momento el disco fue un fracaso en ventas; sólo se vendieron 6000 copias. Esto supuso un duro golpe para Camarón, quien dijo (creo que a su productor): "En el próximo disco vamos a hacer un disquito flamenco".

Tuvo que pasar mucho tiempo para que se llegara a valorar este trabajo genial. Hoy en día los críticos musicales consideran este disco una joya que supuso un verdadero punto de inflexión en el flamenco, junto con Almoraima, de Paco de Lucía. Todos los encuentros posteriores del flamenco con otras músicas se han debido a este hito insólito.

Este vídeo contiene el tema central que da nombre al disco. No he encontrado uno en el que se aprecie a Camarón cantándolo en directo, así que cuelgo uno de tantos que hay en youtube en los que aparece su foto y esta canción. Espero que al escucharla la disfruten.

Capítulo XII

2009-12-08T19:33:00.000Z

El planeta siguiente estaba habitado por un bebedor. Esta visita fue muy breve, pero sumió al Principito en una gran melancolía:

- ¿Qué haces ahí? – preguntó al bebedor, a quien encontró instalado en silencio ante una colección de botellas vacías y una colección de botellas llenas.
- Bebo – respondió el bebedor, con aire lúgubre.
- ¿Por qué bebes? – le preguntó el Principito.
- Para olvidar – respondió el bebedor.
- ¿Para olvidar qué? – inquirió el Principito, que ya le compadecía.
- Para olvidar que tengo vergüenza – confesó el bebedor bajando la cabeza.
- ¿Vergüenza de qué? – indagó el Principito, que deseaba socorrerle.
- ¡Vergüenza de beber! – concluyó el bebedor que se encerró definitivamente en el silencio.

Y el Principito se alejó, perplejo.

Las personas mayores son decididamente muy pero muy extrañas, se decía a sí mismo durante el viaje.

Antoine de Saint-Exupéry, de El Principito.

Capítulo X

2009-12-08T19:21:00.000Z

Se encontraba en la región de los asteroides 325, 326, 327, 328, 329 y 330. Comenzó, pues, a visitarlos para buscar en ellos una ocupación y para instruirse.

El primero estaba habitado por un rey. El rey estaba instalado, vestido de púrpura y armiño, sobre un trono muy simple y sin embargo majestuoso.

- ¡Ah! He aquí un súbdito -exclamó el rey cuando vio al principito.

Y el principito se preguntó:
- ¿Cómo puede reconocerme si nunca me ha visto antes?

No sabía que para los reyes el mundo está muy simplificado. Todos los hombres son súbditos.

- Acércate para que te vea mejor -le dijo el rey, que estaba muy orgulloso al fin de ser rey de alguien.

El Principito buscó con la mirada dónde sentarse, pero el planeta estaba todo cubierto por el magnífico manto de armiño. Quedó, pues, de pie, y como estaba fatigado, bostezó.

- Es contrario al protocolo bostezar en presencia de un rey - le dijo el monarca-. Te lo prohíbo.
- No puedo evitarlo - respondió confuso el Principito-. He hecho un largo viaje y no he dormido...
- Entonces - le dijo el rey- te ordeno bostezar. No he visto a nadie bostezar desde hace años. Los bostezos son una curiosidad para mí. ¡Vamos! Bosteza otra vez. Es una orden.
- Eso me intimida.... No puedo... - dijo el principito, enrojeciendo.
- ¡Hum! ¡Hum! - respondió el rey-. Entonces te... Te ordeno bostezar o no bos...

Farfulló un poco y pareció irritado.

El rey exigía esencialmente que su autoridad fuera respetada. Y no toleraba la desobediencia. Era un monarca absoluto. Pero, como era muy bueno, daba órdenes razonables.

"Si ordeno – decía habitualmente-, si yo ordeno a un general que se transforme en ave marina, y si el general no obedece, no será culpa del general. Será culpa mía."

- ¿Puedo sentarme? - inquirió tímidamente el Principito.
- Te ordeno sentarte - le respondió el rey, que recogió majestuosamente un faldón de su manto de armiño.

Pero el Principito se sorprendió. El planeta era minúsculo. ¿Sobre qué podía reinar el rey ?

- Sire... – le dijo–, os pido perdón por interrogaros...
- Te ordeno interrogarme – se apresuró a decir el rey.
- Sire... ¿Sobre qué reináis?
- Sobre todo – respondió el rey, con una gran simplicidad.
- ¿Sobre todo?

El rey con un gesto discreto señaló su planeta, los otros planetas y las estrellas.

- ¿Sobre todo eso? – dijo el Principito.
- Sobre todo eso... - respondió el rey.

Porque no sólo era un monarca absoluto, sino que era un monarca universal.

- ¿Y las estrellas os obedecen?
- Por supuesto – le dijo el rey. – Obedecen al instante. No tolero la indisciplina.

Un poder tal maravilló al Principito. ¡Si él lo hubiera detentado, habría podido asistir, no a cuarenta y cuatro, sino a setenta y dos, o aun a cien, o aun a doscientas puestas de sol en el mismo día, sin necesidad de mover jamás la silla! Y como se sentía un poco triste por el recuerdo de su pequeño planeta abandonado, se atrevió a solicitar una gracia al rey:

- Quisiera ver una puesta de sol... Hacedme el gusto... Ordenad al sol que se ponga...
- Si ordeno a un general que vuele de flor en flor como una mariposa, o que escriba una tragedia, o que se transforme en ave marina, y si el general no ejecuta la orden recibida, ¿quién, él o yo, estaría en falta?
- Vos- dijo con firmeza el Principito.
- Exacto. Hay que exigir a cada uno lo que cada uno puede hacer - replicó el rey-. La autoridad reposa, en primer término, sobre la razón. Si ordenas a tu pueblo que vaya a arrojarse al mar, hará una revolución. Tengo el derecho de exigir obediencia porque mis órdenes son razonables.
- ¿Y mi puesta de sol? - respondió el Principito, que jamás olvidaba una pregunta una vez que la había formulado.
- Tendrás tu puesta de sol. Yo la exigiré. Pero esperaré, con mi ciencia de gobernante, a que las condiciones sean favorables.
- ¿Cuándo serán favorables las condiciones? - averiguó el Principito.
- ¡Hem! ¡Hem! – le respondió el rey, que consultó antes un grueso calendario-, ¡hem! ¡hem! ¡será a las... a las... será esta noche a las siete y cuarenta ! ¡Y verás cómo soy obedecido!

El Principito bostezó. Lamentaba la pérdida de su puesta de sol. Y como ya se aburría un poco:

- No tengo nada más que hacer aquí - le dijo al rey-. ¡Voy a partir!
- No partas - respondió el rey, que estaba muy orgulloso de tener un súbdito. - ¡No partas, te hago ministro!
- ¿Ministro de qué?
- De... ¡de justicia!
- ¡Pero no hay a quién juzgar!
- No se sabe - le dijo el rey-. Todavía no he visitado mi reino. Soy muy viejo, no tengo lugar para una carroza y me fatiga caminar.
- ¡Oh! Pero yo ya he visto - dijo el Principito, que se asomó para echar otra mirada hacia el lado opuesto del planeta-. No hay nadie allí, tampoco...
- Te juzgarás a ti mismo - le respondió el rey-. Es lo más difícil. Es mucho más difícil juzgarse a sí mismo que juzgar a los demás. Si logras juzgarte bien a ti mismo eres un verdadero sabio.
- Yo - dijo el Principito- puedo juzgarme a mí mismo en cualquier parte. No tengo necesidad de vivir aquí.
- ¡Hem! ¡Hem! – dijo el rey–. Creo que en algún lugar del planeta hay una vieja rata. La oigo por la noche. Podrás juzgar a la vieja rata. La condenarás a muerte de tiempo en tiempo. Así su vida dependerá de tu justicia. Pero la indultarás cada vez para conservarla. No hay más que una.
- A mí no me gusta condenar a muerte – respondió el principito–, y creo que me voy.
- No - dijo el rey.

Pero el Principito, habiendo terminado sus preparativos, no quiso afligir al viejo monarca:

- Si Vuestra Majestad desea ser obedecida puntualmente, podría darme una orden razonable. Podría ordenarme, por ejemplo, partir antes de un minuto. Me parece que las condiciones son favorables...

Como el rey no respondía nada, el Principito titubeó primero y luego, con un suspiro, emprendió la partida.

- Te hago mi embajador - se apresuró entonces a gritar el rey.

Tenía un aire muy autoritario.

Las personas mayores son bien extrañas, díjose a sí mismo el Principito durante el viaje.

Antoine de Saint-Exupéry, de El Principito.

Extraer el "Pshi" De Una Mujer

2009-12-07T00:42:00.000Z

El Mago Ani pretende poder extraer el pshi... de la mujer que ansía (el pshi no es el doble) y atraerlo hacia sí. Es posible abstenerse del pshi durante algún tiempo; la mujer no repara desde luego en esa privación. El Mago entonces acaricia el pshi y poco a poco y aunque no sintiendo más que cosas vagas, la mujer se aproxima al lugar donde se encuentra su pshi. Y cuando más adelanta, mejor se siente, hasta que coincide, sin saberlo, con él. En tal circunstancia, el amor del hombre ha penetrado ya en ella.

Henri Michaux, de El País De La Magia.

La Simplicidad

2009-12-07T00:28:00.000Z

Lo que ha faltado sobre todo hasta el presente a mi vida, ha sido simplicidad. Poco a poco comienzo a cambiar.
Ahora, por ejemplo, siempre que salgo, llevo mi cama conmigo, y cuando una mujer me agrada, la tomo y me acuesto con ella al instante.
Si sus orejas o su nariz son feas y grandes, se las quito juntamente con la ropa y las pongo debajo de la cama. Allí las encontrará ella al partir. Sólo guardo lo que me agrada.
Si su ropa interior ganara al ser cambiada, la cambio enseguida. Ese será mi regalo.
Si entretanto veo a otra mujer más agradable que pasa, me excuso ante la primera y la hago desaparecer inmediatamente.
Personas que me conocen sostienen que no soy capaz de hacer eso que digo; que no tengo suficiente temperamento para ello. Yo también lo creía así, pero era porque no hacía todo "como se me antojaba".
Ahora, paso siempre muy lindas tardes (Por la mañana trabajo).

Henri Michaux.

Un Hombre Apacible

2009-12-06T23:57:00.003Z

Al estirar las manos fuera de la cama, Pluma se sorprendió de no encontrar la pared. "Bueno, pensó, se la habrán comido las hormigas...", y se volvió a dormir.

Poco después, su mujer lo agarró y lo sacudió: "Mira, le dijo, ¡haragán! Mientras estabas ocupado durmiendo nos han robado la casa." En efecto, un cielo intacto se extendía por todos lados. "Bah, no hay nada que hacer", pensó él.

Poco después, se dejó oír un ruido. Era un tren que venía hacia ellos a toda velocidad. "Con el apuro que tiene, pensó él, seguramente llegará antes que nosotros" y se volvió a dormir.

Luego lo despertó el frío. Estaba todo cubierto de sangre. Algunos pedazos de su mujer yacían cerca de él. "Con la sangre, pensó, siempre surgen cantidad de disgustos; si el tren no hubiera pasado, estaría muy feliz. Pero dado que ya pasó..." y se volvió a dormir.

"Veamos, dijo el juez, cómo explica usted que su mujer se accidentara hasta el punto de que la hayan encontrado partida en ocho pedazos, sin que usted, que estaba a su lado, hiciera el menor gesto para impedirlo, sin que ni siquiera se haya dado cuenta. Ése es el misterio. Ahí reside el nudo del asunto.

"Por ese camino no puedo ayudarlo", pensó Pluma, y se volvió a dormir.

"La ejecución tendrá lugar mañana. Acusado, ¿tiene algo que agregar?"

"Disculpe, dijo, no he seguido el desarrollo del juicio". Y se volvió a dormir.

Henri Michaux, de Un Tal Pluma.

Todo Pasa

2009-12-06T23:28:00.000Z

Todo pasa,
las personas, la arena,
en el tiempo un susurro,
las horas que a su velocidad
hacen ruido.

Pantanos de olvido,
la infancia ahogada
en las burbujas de aire
como arco iris la poesía
laceraciones de guerras antiguas,
llevadas por el viento,
mecidas por susurros cantados desde el mar.

En el mar del segundero,
entre el desierto del tiempo
sin ocasión de despedirse,
todos partirán.

Ahikar Rodríguez Díaz.

Sierpes de Amor

2009-12-06T23:08:00.000Z

Pero ¿a quién amas, dime?
Tendida en la espesura,
entre los pájaros silvestres, entre las frondas vivas,
rameado tu cuerpo de luces deslumbrantes,
dime a quién amas, indiferente, hermosa,
bañada en vientos amarillos del día.

Si a tu lado deslizo
mi oscura sombra larga que te desea;
si sobre las hojas en que reposas yo me arrastro, crujiendo
levemente tentador y te espío,
no amenazan tu oído mis sibilantes voces,
porque perdí el hechizo que mis besos tuvieran.

El lóbulo rosado donde con diente pérfido
mi marfil incrustara tropical en tu siesta,
no mataría nunca, aunque diera mi vida
al morder dulcemente sólo un sueño de carne.

Unas palabras blandas de amor, no mi saliva,
no mi verde veneno de la selva, en tu oído
vertería, desnuda imagen, diosa que regalas tu cuerpo
a la luz, a la gloria fulgurante del bosque.

Entre tus pechos vivos levemente mi forma
deslizaría su beso sin fin, como una lengua,
cuerpo mío infinito de amor que día a día
mi vida entera en tu piel consumara.

Erguido levemente sobre tu seno mismo,
mecido, ebrio en la música secreta de tu aliento,
yo miraría tu boca luciente en la espesura,
tu mejilla solar que vida ofrece
y el secreto tan leve de tu pupila oculta
en la luz, en la sombra, en tu párpado intacto.

Yo no sé qué amenaza de lumbre hay en la frente,
cruje en tu cabellera rompiente de resoles,
y vibra y aun restalla en los aires, como un eco de ti toda
hermosísima, halo de luz que mata.

Si pico aquí, si hiendo mi deseo, si en tus labios
penetro, una gota caliente
brotará en su tersura,
y mi sangre agolpada en mi boca,
querrá beber, brillar de rubí duro,
bañada en ti, sangre hermosísima,
sangre de flor turgente,
fuego que me consume centelleante y me aplaca
la dura sed de tus brillos gloriosos.

Boca con boca dudo si la vida es aire
o es la sangre . Boca con boca muero,
respirando tu llama que me destruye.
Boca con boca siento que hecho luz me deshago,
hecho lumbre que en el aire fulgura.

Vicente Aleixandre.

El Laberinto

2009-12-06T23:01:00.000Z

Teseo dividirá el hilo de la vida en la noche sangrienta del Laberinto; él, el esclavo de la espada trágica. Y cuando se separe de las entrañas de la tierra nosotros seremos libres. Es Ella aún quien lo acogerá. Amantes emblemáticos, bogarán hasta los acantilados de Naxos, la isla nupcial, donde el verano madurará sus brisas doradas, las más azules sobre el mar. Vendrán las danzas de las vendimias. ¿Dirá ella entonces: ha llegado la hora de tu partida, el hombre es eterno partir?

Jean-Clarence Lambert.

Los Amantes de Teruel

2009-12-06T22:38:00.000Z

Muertos decías tú. Pero la revolución triunfa.
Muertos, envueltos en su soplo.
La guerra hace estragos en las brechas del horizonte.
El horizonte, su cuerpo.
Regueros de sangre, su cuerpo.
El amor triunfa. Muertos, decías.

Jean-Clarence Lambert.

Cuestionario

2009-12-06T21:50:00.001Z

La lógica convencional se ciñe a condicionamientos que vuelven rígidas la aprehensión del mundo y la comunicación.
Jean-Clarence Lambert nos habla del Koan, o enigma "que el maestro Zen plantea a sus discípulos, para dirigirlos hacia el Despertar".
Alguien hace un cuestionario. Otro lo responde.
Ejemplo:
I. ¿Cuándo cierra el armario, piensa en la sorda?
- También cuando me quedo ciego ante la explosión de colores en su rostro.
II. ¿Cambiará de cuerdas vocales en el próximo invierno?
- Prefiero ponerles un abrigo de ron y continuar con ellas por la ruta de araucaria.
III. ¿Su tía es un tapiz?
-Se creía tapir, luego tapia. Le puse un tapón y me pidió un taparrabo. Se enamoró de mi piel. Me quiso desollar. La convertí en tapiz.
IV. ¿Qué hacía el paralítico con pólvora en el bolsillo?
- Planear un tratado para salvar a las rosas.
V. ¿Qué le recomendó el ortopedista cuando lo atropelló el tranvía?
- No ir a Santa Marta, tampoco a Normandía. Comer pata hervida y huevo de pata. También me recomendó un curso de patafísica.

Estas, son preguntas y respuestas que abren surcos, rompen ataduras de la razón y nos sitúan en una risueña libertad, esencial para la creación.

(de http://www.festivaldepoesiademedellin.org/)

Dedicatorias

2009-12-06T20:43:00.001Z

Las dedicatorias son paisajes desconocidos, convivencia insospechada de seres, sentimientos, símbolos y objetos, despojados de sus apariencias ordinarias, para entrar en comunión.

Esta escritura se moviliza en una sencilla estructura, rica en ritmos por el colorido de las palabras, sus sonoridades y significados.

Cada autor descubre sutiles afinidades a través de una danza verbal, no de juegos de palabras, sino cópula de imágenes.

Al dolor:
una princesa.

Al mal:
corazón y coma,
malsueño, hasta malamuerte.

A la espera:
una mano clasificando carbones ardientes.

A la lejanía:
mi sombra en la noche.

Al viento:
la cabellera de Berenice.

Al oasis:
Semíramis inmortal
alzando los jardines
de su vientre a sus senos.

A la roca de Sísifo:
marea, marea de sangre.

Al para-brisas:
una llama en tus grandes ojos abiertos.

A la puerta cerrada:
el desierto.

Al Unicornio:
una selva de papel.

Al amor:
el gran hotel hacia las 4 de la mañana.

Al perro:
un charco de luna.

Al miedo:
la mirada de Uta.

Al espejismo:
A la urgencia:
Al origen:
A la caída:
A la necesidad:
un gesto secreto, un puñado de ciegas semillas
y el sí por el sí.

Jean-Clarence Lambert.

*

Y proseguimos su impulso:

A la pelirroja:
la lengua de un dragón.

A la piedra:
el llanto de la venusina.

Al campanario:
el afán del pingüino.

Al crepúsculo marino:
la resurreción.

A la viña:
el alunizaje.

Al la carroza:
la gracia del ciervo.

A la reina:
el alarido de un cavernícola.

Al cavernícola:
una agencia noticiosa.

Al lector:
una pradera
y el tintineo.

A tu corazón:
una tormenta
y las llaves del verano.

(de http://www.festivaldepoesiademedellin.org/)

Procedimiento Para Memorizar Escalas y Acordes de Cualquier Pieza

2009-12-04T14:25:00.000Z

1. Tocar la primera nota, raíz/tónica de cada acorde/escala.
2. Tocar las primeras dos notas de cada escala.
3. Tocar las primeras tres notas de cada escala.
4. Tocar las primeras cinco notas de cada escala.
5. Tocar la tríada (1ª, 3ª y 5ª notas de cada escala).
6. Tocar acordes de séptima (1ª, 3ª, 5ª y 7ª notas de cada escala).
7. Tocar acordes de novena (1ª, 3ª, 5ª, 7ª y 9ª notas de cada escala).
8. Tocar la escala entera, ascendiendo y descendiendo.
9. Tocar acordes de sexta (1ª, 3ª, 5ª y 6ª notas de cada escala).
10. Tocar la escala ascendiendo hasta la novena y luego descendiendo con las notas del acorde.
11. Tocar el acorde de novena ascendiendo y regresar descendiendo con la escala.
12. Tocar la escala en terceras ascendiendo y descendiendo (1, 3, 2, 4, 3, 5, 4, 6, 5, 7, 6, 8, 7, 9, y luego en sentido contrario).

Aunque este procedimiento corresponde a un modelo de estudio más jazzístico que clásico, es válido para estudiar independientemente de la disciplina o escuela sobre la que estemos trabajando.

En el vídeo siguiente, la guitarrista Li Jie interpreta el Estudio de Concierto Nº2 de Agustín Barrios, el cual es básicamente, un estudio de escalas.

Sugerencia: escuchar el tema Escala y Preludio, de Agustín Barrios.

Ítaca

2009-12-03T23:19:00.000Z

Cuando emprendas el viaje hacia Ítaca
ruega que sea largo el camino,
lleno de aventuras, lleno de experiencias.
A los Lestrigones, a los Cíclopes
o al fiero Poseidón, nunca temas.
No encontrarás trabas en el camino
si se mantiene elevado tu pensamiento y es exquisita
la emoción que toca el espíritu y el cuerpo.
Ni a los Lestrigones, ni a los Cíclopes,
ni al feroz Poseidón has de encontrar,
si no los llevas dentro del corazón,
si no los pone ante ti tu corazón.

Ruega que sea largo el camino.
Que muchas sean las mañanas de verano
en que - ¡con qué placer! ¡con qué alegría! -
entres en puertos nunca antes vistos.
Detente en los mercados fenicios
para comprar finas mercancías
madreperla y coral, ámbar y ébano,
y voluptuosos perfumes de todo tipo,
tantos perfumes voluptuosos como puedas.
Ve a muchas ciudades egipcias
para que aprendas y aprendas de los sabios.

Siempre en la mente has de tener a Ítaca.
Llegar allá es tu destino.
Pero no apresures el viaje.
Es mejor que dure muchos años
y que ya viejo llegues a la isla,
rico de todo lo que hayas guardado en el camino
sin esperar que Itaca te de riquezas.
Itaca te ha dado el bello viaje.
Sin ella no habrías aprendido el camino.
No tiene otra cosa que darte ya.

Y si la encuentras pobre, Ítaca no te ha engañado
sabio como te has vuelto con tantas experiencias,
habrás comprendido lo que significan las Itacas.

Konstantinos Kavafis.

Vuelve

2009-12-03T23:10:00.000Z

Vuelve otra vez y tómame,
amada sensación retorna y tómame.
Cuando la memoria del cuerpo se despierta,
y un antiguo deseo atraviesa la sangre;
cuando los labios y la piel recuerdan,
cuando las manos sienten que aún te tocan.

Vuelve otra vez y tómame en la noche,
cuando los labios y la piel recuerdan....

Konstantinos Kavafis

8 de Septiembre (Fragmento)

2009-12-03T22:44:00.000Z

Hoy el mar tempestuoso
nos levantó en un beso tan alto que
temblamos
a la luz de un relámpago
y, atados, descendimos
a sumergirnos sin desenlazarnos.

Pablo Neruda.

Estos versos los descubrí gracias a este vídeo de finales de los 80 de Gerardo Núñez actuando en televisión. En él interpreta unas bulerías que aparecen en su primer disco, El Gallo Azul (1987) y le dan nombre.

También quiero poner este otro de la misma actuación. En él, Gerardo toca un tema por alegrías, perteneciente a su segundo disco, Flamencos en N.Y (1989). Este tema se llama Queda la Sal.

Y por último, una granaína, también de su primer disco. Este tema lleva por nombre La Cartuja.

Lluvia de Sol

2009-11-30T23:13:00.001Z

La muchacha desnuda toma el sol
apenas cubierta
por la presencia de las frondas.

Abre su cuerpo al sol
que en lluvia de fuego
la llena de luz.

Entre sus ojos cerrados
la eternidad se vuelve instante de oro.
La luz nació para que el resplandor de este cuerpo

le diera vida.
Un día más
sobrevive la tierra gracias a ella

que sin saberlo
es el sol
entre el rumor de las frondas.

José Emilio Pacheco.

Mar Eterno

2009-11-30T23:07:00.001Z

Digamos que no tiene comienzo el mar
Empieza donde lo hallas por vez primera
y te sale al encuentro por todas partes.

José Emilio Pacheco.

Memoria

2009-11-30T22:56:00.000Z

No tomes muy en serio
lo que te dice la memoria.

A lo mejor no hubo esa tarde.
Quizá todo fue autoengaño.
La gran pasión
sólo existió en tu deseo.

Quién te dice que no te está contando ficciones
para alargar la prórroga del fin
y sugerir que todo esto
tuvo al menos algún sentido.

José Emilio Pacheco.

El Negocio de la Música

2009-11-29T23:26:00.000Z

Desde mi blog intento poner mi granito de arena para promocionar artistas que desde mi humilde criterio considero interesantes y que me han aportado algo (aunque sé que hay muchos que se quedarán en el tintero; hay tantos artistas y tanta belleza por descubrir...). El ejemplo más evidente de esto está en la lista de "enlaces de interés" que tiene este blog, una lista que va haciéndose grande con rapidez, casi peligrosamente. Pero siempre he dicho que es una tristeza (aunque siempre ha sido algo común y lo seguirá siendo) que músicos con talento (y artistas en general de todas las disciplinas, aunque esta entrada se centra principalmente en mundo de la música) no gocen del debido reconocimiento, que no se les promocione y facilite la difusión de su arte (no me refiero sólo a los guitarristas, sino que quiero englobar a todos los músicos con talento que tienen algo que contar). El mercado discográfico está saturado de música "precocinada", de calentar al microhondas, servir y listo. Las grandes discográficas del mercado global crean superventas pegadizos, facilones, como quien hace churros. Una música que por lo general, tiene casi siempre los mismos ritmos, casi las mismas melodías, la misma armonía simple con los mismos cuatro acordes de siempre... Es decir, que siempre suena a lo mismo. Y mientras tanto el gran monstruo de la música comercial sigue engordando a base de gente que la mitad de las veces carece de la debida formación musical y el talento para poder siquiera autodenominarse "artistas", que lo único que hacen es cantar karaoke, con todos mis respetos a la gente que disfrute cantando karaoke (no van por ahí los tiros), ya que hay gente que canta tan bien karaoke como ellos y no por eso son artistas, y hay muchos artistas de verdad que están en la sombra por este flaco favor que le están haciendo a la cultura musical colectiva.

Porque ahora, entre la gente joven (como la gente de mi generación y los que llegaron después), ese es el referente de "artista"; un chico o chica de su edad que hace sonar la flauta de casualidad y que da el salto a la fama, el éxito, el dinero... Dando la imagen de que convertirse en artista es algo relativamente fácil y al alcance de cualquiera, haciendo que parezca ridículo que exista gente a quien se le ocurra la pérdida de tiempo de pensar siquiera en pasar por un Conservatorio o por una Academia o Escuela de Música (y con lo de "Academia" no me refiero a esa que sale por la tele) para formarse primero si quiere tomar la música como una salida profesional.

Y no nos llevemos a equívocos, con esto no quiero decir que todo aquel que pase por un Conservatorio o por una Academia o Escuela de Música tenga talento, o que sea un artista en potencia. Tampoco critico el autodidactismo, porque lo entiendo como una forma de aprendizaje muy válida y apropiada y a veces genial, porque grandes músicos de hoy en día son autodidactas. Lo que critico es que intenten chotearnos. Vale que el talento, la genialidad, el "don" o como quieran llamarlo es algo innato, pero todas las cosas, innatas o no, necesitan madurar. Se trata de tener inquietud por hacer las cosas bien, de no confiar en que únicamente el "don" es lo que nos va a resolver la vida. Esa gente que supuestamente tiene tanto talento, quizás si se hubiera preocupado más por formarse, hoy en día tendría un potencial aún mayor, habrían ganado muchísimo en calidad. Lo que tarda años en madurar no se puede adquirir en unos meses por muy duro que se trabaje. Pero no voy a seguir criticándolos, porque ellos no tienen la culpa, son víctimas, a veces sin saberlo, de esta situación gravísima de la música actual. Tampoco saben que este exíto que tan fácil les ha resultado conseguir (si, ya sé que el éxito al que me refiero es fácil entre comillas, pero parece más fácil de conseguir para estos chicos que para el artista que se lo curra de verdad) es flor de un día, hasta que encuentren a otros que resulten más lucrativos a los magnates de las discográficas y que los desplacen de la cima.

La culpa la tienen las grandes discográficas que buscan el negocio, el dinero fácil sobre la calidad, que nos tienen engañados y nos venden a precio de oro un producto que no lo vale, ya que invierten un montón de guita en marketing, merchandising y management (no hay nada como un buen anglicismo, no veas lo cool que queda) y con todos esos mecanismos de propaganda y promoción al alcance de la mano hacen que el producto parezca muy atractivo, sugerente y cojonudo, consiguiendo que consumamos la música de fulano o mengana sólo porque se lo han currado con un buen videoclip, o porque el disco incluye unas fotos guapísimas en las que sale medio en pelotas, o simplemente porque es mono o mona, además de que cuando canta casi no desafina (al final la imagen lo es todo), pero cuidado con éstos; hay quien tiene a su disposición en el estudio de grabación unos ingenieros que hacen auténticas virguerías. Lo que quiero decir es que atrévanse a ir a un directo de según quien, y desearían haberse gastado el dinero de la entrada en cerveza, condones, una cena o alguna otra cosa de su interés. Eso si no les vence la indignación y la furia del momento y van a quien les vendió la entrada y se la meten por donde le quepa (aunque esta persona no tenga culpa de que el cocierto resulte ser un fraude).

Para colmo, además de que los discos están carísimos (el precio no baja, por lo general, de los 20 €), de que hay mucha gente que no puede permitirse el lujo de comprarlos, y si le sumamos el hecho de que pueda estar pagando un precio que no está en absoluto en consonancia con su auténtico valor, la S.G.A.E (nuestra querida Sociedad General de Autores de España) se posiciona en el bando de estos emporios comerciales sin escrúpulos, presionando al gobierno para que apruebe supuestas medidas "anti-piratería" y acosando al pobre ciudadano medio que descarga música por internet por las razones anteriormente descritas o porque la música que le gusta no es fácil de encontrar porque como el mercado está saturado de la misma música, ese disco está descatalogado, o no es fácil de conseguir allí donde vive, es prácticamente la única forma posible de conseguirla (además, hay que tener en cuenta que la mayor parte de la gente que descarga "ilícitamente" música no intenta comerciar con ella, sino que la quiere para su uso exclusivo y personal)... Si es que es la pescadilla que se muerde la cola. Aquí lo que se pretende es mamar de la teta a costa de lo que sea. Porque para piratería, la que hay en las costas de Somalia o en Malasia. Y el artista que crea que su verdadero sustento depende del número de ventas de su disco está equivocado, pues la mayor parte de los beneficios van a parar a manos de las discográficas. Realmente, depende de los conciertos. Pero, ¿cómo un artista "diferente" puede dar un concierto cuando su música "no vende" porque la mayor parte de los espectáculos multitudinarios los acaparan siempre los mismos y los teatros les cierran las puertas en las narices?

Lo que hace falta es promocionar más la cultura, invertir más en ella, escapar de la tiranía de las discográficas, poner las entradas de los espectáculos a un precio razonable, y reducir el precio de los discos. Así, más gente podría tener acceso al trabajo de los artistas y de esto al final es de lo que se trata.

Casualmente, en esta era de la información en la que se puede tener acceso a un sin fin de cosas, es uno de los momentos en los que peor informados estamos. A lo mejor es por el exceso de información; uno termina bloqueándose. Pero lo cierto es que tenemos el nivel cultural por los suelos. Pero lo peor de todo , es que no haya interés por conocer. Y no sé yo si es éste el auténtico problema. Es lógico que si se persiste en la ignorancia nos intenten engañar y avasallar.

José Luis Montón

2009-11-29T20:10:00.001Z

Gran maestro. Tiene una técnica sólida, una pulsación precisa y brillante, musicalidad, sensibilidad... La guitarra de José Luis Montón desborda emociones, arte, y sobre todo, poesía. Su música es compleja a nivel armónico, muy rica, llena de matices, a veces aparecen en ella brillantes pinceladas de otras músicas. Tiene un sonido flamenquísimo. Sabe cómo hacer llorar a la guitarra, arrancarle quejidos que emocionan, arrancan lágrimas y hacen soñar.

Como siempre, una breve reseña biográfica:

José Luis Montón Amil, Barcelona 1962. Guitarrista flamenco que además de acompañar e incluso componer, entre otros, para las compañías de baile de Antonio Canales, Carmen Cortés, Antonio El Pipa y Joaquín Grilo, ha desarrollado una carrera como solista que no está cerrada a los experimentos con otros géneros musicales. Ha tocado para cantaores como Mayte Martín (también en el estudio de grabación). Fue primer guitarrista del espectáculo "Cumbre flamenca en el baile" y ha llevado su guitarra de concierto por escenarios de toda Europa.

(de flamenco-wold.com)

Ha colaborado con artistas como Hossam Ramzy, Miguel Poveda, Carmen París o con el virtuoso violinista libanés Ara Malikian (quien ha colaborado en varios de sus discos como artista invitado además de haber grabado conjuntamente con él dos discos, Manantial y De la Felicidad).

Para conocerle mejor, visiten http://www.myspace.com/joseluismonton.

3 vídeos. Uno de una actuación en televisión junto a Ara Malikian. Otro, que es un videoclip en el que se le ve tocando un par de temas con su grupo. Y el último, de un concierto también junto a Ara Malikian en 2008 en un pueblo de Málaga.

Alba

2009-11-29T17:39:00.001Z

Fresca como las pálidas hojas húmedas
de los lirios del valle
al alba yace ella junto a mí.

Ezra Pound

Principios Básicos del Imaginismo

2009-11-29T16:56:00.000Z

1. Tratar la "cosa" directamente, ya sea subjetiva u objetiva.
2. Prescindir de toda palabra que no contribuya a la presentación.
3. En cuanto al ritmo: componer (escribir) siguiendo una secuencia análoga a la de la frase musical, y no en una secuencia de metrónomo.

Algunas Prohibiciones:

1. No emplear ni una sola palabra superflua, ni un solo adjetivo que no sea revelador.
2. No mezclar una abstracción con algo concreto.
3. No describir, simplemente presentar.
4. No teorizar.
5. No permitir que el final de cada verso se pare en seco, para empezar el siguiente después de tomar aliento. Que en el principio del siguiente verso cabalgue el final de la ola rítmica, a menos que se desee una pausa larga y definida.
6. Si se usa rima, ésta debe tener un ligero elemento de sorpresa, no tiene por qué ser extravagante o curiosa, pero si se emplea, debe emplearse bien.

Ezra Pound, 1912.

Los Espejos Velados

2009-11-28T15:46:00.000Z

El Islam asevera que el día inapelable del Juicio, todo perpetrador de la imagen de una cosa viviente resucitará con sus obras, y le será ordenado que las anime, y fracasará, y será entregado con ellas al fuego del castigo. Yo conocí de chico ese horror de una duplicación o multiplicación espectral de la realidad, pero ante los grandes espejos. Su infalible y continuo funcionamiento, su persecución de mis actos, su pantomima cósmica, eran sobrenaturales entonces, desde que anochecía. Uno de mis insistidos ruegos a Dios y al ángel de mi guarda era el de no soñar con espejos. Yo sé que los vigilaba con inquietud. Temí, unas veces, que empezaran a divergir de la realidad; otras, ver desfigurado mi rostro por adversidades extrañas. He sabido que ese temor está, otra vez, prodigiosamente en el mundo. La historia es harto simple, y desagradable.

Hacia mil novecientos veintisiete, conocí una chica sombría primero por teléfono (porque Julia empezó siendo una voz sin nombre y sin cara); después, en una esquina al atardecer. Tenía los ojos alarmantes de grandes, el pelo renegrido y lacio, el cuerpo estricto.

Era nieta y bisnieta de federales, como yo de unitarios, y esa antigua discordia de nuestras sangres era para nosotros un vínculo, una posesión mejor de la patria. Vivía con los suyos en un desmantelado caserón de cielo raso altísimo, en el resentimiento y la insipidez de la decencia pobre. De tarde - algunas contadas veces de noche- salíamos a caminar por su barrio, que era el de Balvanera. Orillábamos el paredón del ferrocarril; por Sarmiento llegamos una vez hasta los desmontes del Parque Centenario. Entre nosotros no hubo amor ni ficción de amor: yo adivinaba en ella una intensidad que era del todo extraña a la erótica, y la temía. Es común referir a las mujeres, para intimar con ellas, rasgos verdaderos o apócrifos del pasado pueril; yo debí contarle una vez lo de los espejos y dicté así, en 1928, una alucinación que iba a florecer en 1931. Ahora, acabo de saber que se ha enloquecido y que en su dormitorio los espejos están velados pues en ellos ve mi reflejo, usurpando el suyo, y tiembla y calla y dice que yo la persigo mágicamente.

Aciaga servidumbre la de mi cara, la de una de mis caras antiguas. Ese odioso destino de mis facciones tiene que hacerme odioso también, pero ya no me importa.

Jorge Luis Borges.

Juan Gómez, "Chicuelo"

2009-11-28T00:46:00.001Z

"Chicuelo" es un guitarrista flamenco poseedor de un toque arrebatador, lleno de frescura, limpieza, pasión, personalidad propia y deslumbrante de técnica. Tiene además un profundo conocimiento de la armonía y ha bebido de muchos estilos musicales distintos, como el jazz, la música étnica, el blues, el pop o el rock... Y eso se refleja en su discurso guitarrístico. Es de esos guitarristas, aparte de los de siempre (que ya se sabe quiénes son), que creo que hay que escuchar, sobre todo si se es un buen aficionado a la guitarra. A pesar de que su discografía por el momento no es muy extensa, los dos trabajos en solitario que tiene en el mercado, Cómplices (2000) y Diapasión (2007), son ambos de una enorme calidad. Considero incluso al primero un disco de antología en el ámbito de la guitarra flamenca. Este trabajo fue premiado como mejor disco de guitarra solista por la revista Flamenco Hoy en aquel entonces.

Ahí va una pequeña reseña biográfica:

Juan Ignacio Gómez Gorjón, "Chicuelo", (Barcelona, 1968) comenzó ya de niño sus estudios de guitarra en el ambiente de las peñas flamencas. Alumno de maestros de la guitarra como Manolo Sanlúcar y su hermano Isidro Muñoz, entre muchos otros, trabajó al principio de su carrera en el "Tablao de Carmen", en Barcelona, con Mario Escudero, Angelita Vargas, La Tolea, Yerbabuena, Sara Baras, Adrián Galia, Belén Maya, Antonio "el Pipa", Joaquin Grilo etc...

Actúa como músico de estudio en grabaciones para diversos artistas, entre otros con: Tomatito, Duquende, Mayte Martín, Ginesa Ortega, Joan Manuel Serrat, y como director musical de trabajos discográficos, entre los que se encuentran Siento y Oscuriá de Ginesa Ortega, y Suena Flamenco de Miguel Poveda.

Ha versionado la música de la última película de Orson Welles, El Quijote (1992) y ha participado en el Festival de Jóvenes Flamencos celebrado en París. En 1996, fundó y lideró el grupo "Cambalache".

Ha tocado para el cante de Enrique Morente, Rancapino, Chano Lobato, José Mercé, Duquende, Mayte Martín y Potito, y es el guitarrista habitual de Miguel Poveda.

(de flamenco-world.com y de esflamenco.com)

Más información sobre "Chicuelo" en http://www.chicuelo.com/.

Éste es un videoclip promocional de su último disco, Diapasión. En él interpreta un tema por tangos, que lleva por nombre A la Deriva.

También adjunto una muestra de un espectáculo en el que colaboraron él, Miguel Poveda y Duquende con músicos pakistaníes de Qawwali (el espectáculo completo está disponible en CD y en DVD). En ella realiza la introducción de una granaína.

Y por último, un vídeo en el que se le ve acompañando el cante de Duquende en unas soleares. Acojonante (con perdón de la expresión y en el buen sentido).

Historia de Los Dos Que Soñaron

2009-11-28T00:06:00.000Z

Cuentan los hombres dignos de fe (pero solo Alá es omnisciente y poderoso y mirsericordioso y no duerme) que hubo en El Cairo un hombre poseedor de riquezas, pero tan magnánimo y liberal que todas las perdió, menos la casa de su padre, y que se vio forzado a trabajar para ganarse el pan. Trabajó tanto que el sueño lo rindió debajo de una higuera de su jardín y vio en el sueño a un desconocido que le dijo:

- Tu fortuna está en Persia, en Isfaján; vete a buscarla.

A la madrugada siguiente se despertó y empezó el largo viaje y afrontó los peligros de los desiertos, de los idólatras, de los ríos, de las fieras y de los hombres. Llegó al fin a Isfaján, pero en el recinto de esa ciudad lo sorprendió la noche y se tendió a dormir en el patio de una mezquita. Había, junto a la mezquita, una casa y por el decreto de Dios Todopoderoso una pandilla de ladrones atravesó la mezquita y se metió en la casa, y las personas que dormían se despertaron y pidieron socorro. Los vecinos también gritaron, hasta que el capitán de los serenos de aquel distrito acudió con sus hombres y los bandoleros huyeron por la azotea. El capitán hizo registrar la mezquita y en ella dieron con el hombre de El Cairo y lo llevaron a la cárcel. El juez lo hizo comparecer y le dijo:

- ¿Quién eres y cuál es tu patria?

El hombre declaró:

- Soy de la ciudad famosa de El Cairo y mi nombre es Yacub El Magrebí.

El juez le preguntó:

- ¿Qué te trajo a Persia?

El hombre optó por la verdad y le dijo:

- Un hombre me ordenó en un sueño que viniera a Isfaján, porque aquí estaba mi fortuna. Ya estoy en Isfaján y veo que la fortuna que me prometió ha de ser esta cárcel.

El juez se echó a reir:

- Hombre desatinado - le dijo-, tres veces he soñado con una casa en la ciudad de El Cairo, en cuyo fondo hay un jardín y en el jardín , un reloj de sol y después del reloj de sol, una higuera, y debajo de la higuera un tesoro. No he dado el menor crédito a esa mentira. Tú sin embargo, has errado de ciudad en ciudad, bajo la sola fe de tu sueño. Que no te vuelva a ver en Isfaján. Toma estas monedas y vete.

El hombre las tomó y regresó a su patria. Debajo de la higuera de su casa (que era la del sueño del juez) encontró el tesoro. Así Dios le dio bendición y lo recompensó y exaltó. Dios es el Generoso, el Oculto.

Gustav Weil.

El Vuelo de Ícaro

2009-11-27T23:24:00.000Z

Dédalo, anonadado de la larga jornada que llevaba en Creta y de un destierro que le alejaba de su patria, resolvió salir del lugar que miraba con verdadero horror; pero el mar ponía a su deseo un obstáculo invencible. "Si la tierra y el mar - dijo un día- me son cerrados por el tirano, éste no sabrá cerrarme el camino de los aires. Aun cuando sea sea dueño del mundo entero, el cielo no está bajo su poderío y podré por él trazarme un camino". Hablando así, Dédalo ideó un proyecto que jamás mortal alguno pudo concebir. Cogió plumas, pegándolas de forma tan admirable, que compuso dos alas en todo semejantes a las de los pájaros. Ícaro, su hijo, que no sabía que trabajaba en su propia perdición, reunía las plumas con un aire optimista, o bien reblandecía la cera que las debía unir. Dédalo, al fin, hizo el ensayo, sosteniéndose efectivamente en medio de los aires. Dirigiéndole la palabra a Ícaro, le habló de esta suerte: "Ten cuidado, hijo mío, de volar siempre a la misma altura; si desciendes demasiado, la humedad del agua apesantaría tus alas; si te elevas demasiado, el calor del sol las abrasaría; ten siempre un justo medio entre estos dos extremos. Sobre todo no te aproximes a las constelaciones de la Osa, del Boyero y de Orión, y guíate siempre por mí". Le ató las alas, temblando de emoción, y con lágrimas en los ojos le explicó en breves palabras la manera de servirse de ellas. Le abrazó por última vez, tomando él primero el vuelo, para dirigir el camino: semejante al pájaro que hace salir a sus polluelos del nido, así él enseña a su hijo el peligroso arte de volar, teniendo siempre sus ojos puestos en Ícaro. Sorprendidos con extrañeza a la vista de tal prodigio, tanto el pescador como el pastor y el labrador les toman por dioses. Ya había dejado a su izquierda la isla de Samos, célebre por el culto de Juno, y a la derecha, las de Delos, y Paros, Lebinta y Calimna, tan abundante en miel, cuando Ícaro abandonó a su guía para elevarse más alto; el calor del sol derritió la cera que sujetaba las plumas de sus alas, cayendo al mar, que después de este funesto accidente siempre llevó su nombre. Dédalo, al perder a su hijo de vista y ante el temor de perderlo para siempre, le llamó en vano: "Ícaro, hijo mío, ¿dónde estás? ¿En qué región te puedo encontrar?" Seguía hablando, cuando de pronto vio las alas de su hijo flotando sobre las aguas del mar. Detestó mil veces la funesta invención que concibió y rindió los últimos deberes a Ícaro en la isla en que acababa de perder la vida.

Plubio Ovidio Nasón, de La Metamorfosis.

En recuerdo de Albéniz y Tárrega

2009-11-26T22:29:00.001Z

Este año 2009 que está a punto de finalizar ha sido de gran importancia para la música clásica española. Se cumple el centenario de la muerte de dos grandes genios: Isaac Albéniz y Francisco Tárrega. Yo no podía ignorar eso y acabar este año sin dedicarles una entrada en este blog en el que tanto escribo sobre música.

Ambos músicos compusieron obras de esas cuya melodía a veces tarareamos sin saber quién las compuso ni cuál es el nombre de las mismas y que pertenecen al inmenso legado de la música clásica universal. Estos insignes músicos fueron amigos y se admiraron e influenciaron mutuamente. Muchas de las obras de Albéniz son muy "guitarrísticas", por su carácter folklórico-andaluz, propio del movimiento imperante en el tiempo en que le tocó vivir; la transición del romanticismo al nacionalismo musical español, tan característico también de muchas de las obras de Falla, Granados o Turina. Por eso Tárrega transcribió gran parte de las obras Albéniz para la guitarra. De hecho, se dice que Albéniz llegó a decir que muchas de sus composiciones sonaban mejor en la guitarra que en el piano, y eso que era pianista (no voy a pronunciarme ni a favor ni en contra de esto, no vaya a ser que algún pianista lo lea y se ofenda; que quede claro que a mi me gusta oírlas tanto en un piano como en una guitarra, y no quiero fomentar una rivalidad mayor de la ya existente entre pianistas y guitarristas). Su obra más conocida es la Suite Iberia. De ella dijo Olivier Messiaen: “es la maravilla del piano, ocupa quizá el más alto puesto entre las más brillantes muestras del instrumento rey por excelencia”.

De Tárrega hay que decir que fue el primer gran maestro de la guitarra (el segundo es su homólogo paraguayo Agustín Barrios Mangoré, de quien hablaremos en otra ocasión). Un virtuoso que revolucionó la técnica del instrumento hasta límites jamás imaginados en aquel entonces. Y que luchó por dignificar la guitarra, haciendo que se la reconociese como instrumento de concierto tan válido como el piano. Tárrega era pianista además de guitarrista. Tuvo que estudiar el piano para formarse como músico, ya que en aquel entonces la guitarra estaba considerada como un instrumento vulgar, del "populacho", que no encajaba en el mundo elitista de los conservatorios del momento. Estos son algunos datos curiosos sobre lo presente que está la música de Tárrega en nuestro día a día:

La música más tocada y oída en el mundo es la conocida como Melodía Nokia (Nokia Tune) porque es el tono de llamada predeterminado de los teléfonos móviles de la marca Nokia, pero está sacada de una pieza llamada Gran Vals (del compás 14 al 16) de Tárrega. Esta melodía se ha convertido en una de las más escuchadas en todo el mundo ya que más de 850 millones de teléfonos Nokia la reproducen a diario (Grandes Transcripciones para guitarra, F. Tárrega, Ed. Unión Musical Editores, S.L.). También es digno de mencionar que de sus obras se han realizado versiones por artistas como Mike Oldfield, que incluye su versión particular y orquestal de Recuerdos de la Alhambra en su banda sonora para la película Los Gritos del Silencio (The Killing Fields, 1984); se trata del tema Étude.

Para la película El Amor en los Tiempos del Cólera (2007), basada en la novela del escritor colombiano Gabriel García Márquez, se utilizó como tema central la canción Hay amores, compuesta por la cantante Shakira. La instrumentación de esta canción está basada totalmente en el Capricho Árabe de Tárrega, pero la letra fue compuesta por la colombiana inspirándose en paisajes de su país.

(de la Wikipedia)

Aquí adjunto una breve sinopsis sobre la vida y obra de Albéniz y Tárrega:

Isaac Manuel Francisco Albéniz y Pascual (1860-1909): pianista y compositor español n. en Campodrón (Gerona) y m. en Cambo-les-Bains (Francia); creador de la escuela nacional de piano; estudió con Felipe Pedrell y escribió algunas óperas y zarzuelas (Merlín, Pepita Jiménez, Los Catalanes en Grecia, El Anillo, etc), pero se distinguió especialmente en sus obras para piano, entre las que destacan las suites Iberia y Española, que contienen Córdoba, Granada, Sevilla, Cádiz, Asturias, Navarra, Cataluña y otras composiciones de estilo y colorido vivaz, basadas en la música popular española.

Francisco de Asís Tárrega y Eixea (1859-1909): guitarrista y compositor español n. en Villarreal (Castellón de la Plana) y m. en Barcelona; fue quizás el primer virtuoso de su época; profesor en los Conservatorios de Madrid y Barcelona; se le debe la creación de la moderna escuela guitarrística y la transcripción para guitarra de gran número de piezas clásicas, románticas y modernas; entre sus obras: Preludios, Estudios de Concierto, Minués, Scherzo en Re mayor, Sueño, Recuerdos de la Alhambra, Capricho Árabe, etc.

(del Gran Diccionario Enciclopédico Ilustrado, Ed. Selecciones del Reader's Digest)

Para saber más:

http://es.wikipedia.org/wiki/Francisco_T%C3%A1rrega
http://es.wikipedia.org/wiki/Isaac_Alb%C3%A9niz
http://es.wikipedia.org/wiki/Iberia_(suite)

Adjunto 2 vídeos. En uno, la recientemente desaparecida pianista Alicia de Larrocha interpreta Evocación (de la Suite Iberia, Albéniz) y en el otro, una interpretación de Recuerdos de la Alhambra (Tárrega), por el guitarrista español Pablo Sáinz Villegas.

Orígenes / "Instrumentos para la paz"

2009-11-25T18:35:00.001Z

Yo me acerqué a la guitarra y a la música en general de casualidad. Desde niño había visto a mis tíos (Carlos y Manolo) tocar la guitarra en las típicas reuniones y fiestas familiares. Me empapé de todo aquello. Eso me gustaba; ser partícipe de toda esa alegría, todo ese sentimiento y genialidad espontánea que fluye a veces de la gente, con el buen vino de la tierra como catalizador. Empecé primero con el timple; una especie de guitarrita pequeña, típica canaria, de caja abombada y que suele tener 5 cuerdas, aunque en algunas zonas de Tenerife se tocaba con 4 cuerdas. Pero este modelo tiende a desaparecer frente al de 5 cuerdas, que tiene un uso más generalizado. Incluso hay quien toca timples de hasta 6 y 12 cuerdas (como los que usa el grupo grancanario Artenara, http://www.artenara.com/), no obstante, estos no pueden considerarse timples "tradicionales". Mis primeras lecciones de timple las tuve en el colegio, en una asignatura extraescolar, que en la que se enseñaba a tocar el timple y la guitarra. Aunque pronto empecé a irme decantando por la guitarra al ver que ofrecía múltiples oportunidades; al ser la guitarra un instrumento polifónico, te permite armonizar, acompañarte a ti mismo. Abarca una relativamente amplia gama de registros graves y agudos ("es una pequeña orquesta en miniatura", como dijo algún maestro, creo que fue Andrés Segovia) y además es un instrumento relativamente económico; Gerardo Núñez la llama "el piano de los pobres". Desde ese momento (creo que tenía 12 años) me recuerdo con una guitarra en las manos prácticamente en todos mis ratos libres. He tenido algunos maestros, pero básicamente he sido autodidacta.

Los primeros maestros que tuve fueron mi tío Carlos y Don Juan, "Juanillo"; un señor bueno, amable, al que siempre recuerdo de buen humor y que era bastante bromista. Tocaba la guitarra además del timple, el laúd, la bandurria, el acordeón... Creo que incluso también sabía tocar el banjo. Una gran persona que me dio clase gratis y que además de ser un gran aficionado a la música, pintaba muy bien. Cuando no estaba con su música estaba pintando algún cuadro. Muy buenas tardes fueron aquellas que pasamos conversando y tocando la guitarra y algunos buenos tenderetes se formaron cuando venía más gente con bandurrias, timples, guitarras, laudes. Fue mi primer contacto con la música, con el folklore de mi tierra.

A través de mi tío Carlos (que siempre ha sido un gran aficionado a la guitarra), fui conociendo la guitarra clásica. Él me empezó a guiar. Me sugería que escuchara a éste o a aquel maestro. Además, con él pude aprender sobre muchas otras dimensiones de la música y de la guitarra. Mi tío Carlos es una persona muy culta con quien siempre es un placer hablar de cualquier cosa. Sigo aprendiendo mucho de él. Y ha sido una persona una persona determinante en mi voluntad de convertirme en guitarrista al inculcarme todo ese cariño, entusiasmo, dedicación y en definitiva, amor por la guitarra.

Después estuve 2 años en la escuela municipal de música de mi ciudad (S/C de Tenerife). Y más tarde estuve 5 años aprendiendo por mi cuenta, mirando cosas de un lado y de otro pero, sobre todo, empecé a meterme en el flamenco (que es mi pasión desde que escuchara por primera vez a Paco de Lucía).

Actualmente, estudio Grado Profesional de guitarra clásica en el Conservatorio de Santa Cruz de Tenerife. Pero a la música clásica la considero un tránsito, una herramienta para explorar otras músicas, un puente de unión entre músicas y culturas. Si nos preocupáramos más por cosas como las artes y la ciencia (bien usada) o como intentar erradicar el hambre, la ignorancia y la miseria en vez de por otras sin sentido, quizás nuestro mundo fuese un lugar más limpio, más alegre, más sano, humano y tolerante. Por eso quiero dar mi apoyo desde aquí a Musik Fund. Con el lema "instrumentos para la paz", esta organización belga sin ánimo de lucro fundada por el músico belga Lukas Pairon, recoge y repara instrumentos musicales por toda Europa para llevarlos a zonas en conflicto de todo el mundo donde un instrumento musical puede significar una puerta a la esperanza.

Supe de ellos gracias a un artículo de Jesús Ruiz Montilla en el número de la revista El País Semanal del pasado domingo. Es enormemente satisfactorio saber que en estos tiempos inocuos, asépticos y fríos quedan personas como el señor Pairon, un auténtico "Quijote" del siglo XXI.

Para saber más, visiten http://www.musicfund.be/.